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Sensuale e Tragica Verona

12 venerdì Lug 2019

Posted by in arte, cultura, Shakespeare, viaggi

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Una veduta di Piazza delle Erbe, la più antica piazza della città, da sempre centro della vita sociale ed economica della città.

Ho cercato un degno titolo per questo diario di viaggio per un po’, poi mi è venuto in mente uno dei brani di un musical francese del 2001, che è stato tradotto in italiano quando il gusto per gli spettacoli musicali era tornato popolare in seguito all’enorme successo dell’inimitabile Notre Dame de Paris di Cocciante.

Lo spettacolo in questione è Romeo e Giulietta – Ama e Cambia il Mondo e la canzone – interpretata da questo signore qui di fianco, che ispira fiducia immediata, ne converrete – s’intitola, appunto Verona.
Possiamo dire che si tratta del prologo di questo adattamento della celeberrima tragedia shakespeariana (se volete, potete ascoltare la canzone qui) e nel ritornello il Principe di Verona recita nella sua voce baritonale: Verona bella, sensuale, tragica città, nel sangue suo si specchierà…
Tanto per essere chiari su come finirà la storia, insomma. ^^
Il musical non mi ha mai fatto impazzire, ma ammetto di canticchiare questo brano di tanto in tanto, e di averlo fatto lungo il tragitto in macchina per giungere dall’afosissima Milano all’ancora più afosa Verona.

L’area di questa città veneta, che sorge sulle due sponde dell’Adige, è abitata fin dal neolitico da popolazioni che successivamente noi abbiamo imparato a conoscere con il termine di galliche, tuttavia sembra che l’origine del nome “Verona” sia etrusco e che voglia dire qualcosa come “maledetta Roma”. Partiamo con ottime intenzioni, dunque. ^^ I primi contatti con la fiorente repubblica romana si hanno nel III secolo a.C.; Verona è prima alleata dei romani, ma poi finisce miseramente per essere conquistata e inglobata nella Gallia Cisalpina, che riceverà il diritto alla cittadinanza romanza all’epoca di Giulio Cesare.
Nell’età imperiale Verona continua a essere una città rinomata per lo stanziamento temporaneo delle truppe, e forse è proprio per questo che tra il 20 e il 30 d.C. viene costruito l’anfiteatro oggi conosciuto come Arena di Verona: un grande complesso a tre ordini, con gli spettatori (oltre trentamila, pare) che potevano accedere alle gradinate da ben settantadue aperture (“vomera”).

L’Arena! Il terzo ordine è andato perduto nel corso dei secoli, ma anche così si tratta di una vista che toglie il fiato, vero? Di sera, soprattutto.

Durante il Medioevo la fama di Verona non diminuisce: Teodorico il Grande ne fa la sua corte preferita, il Sacro Romano Impero Germanico di Carlo Magno e figli la tiene in gran conto. Attorno al 1100 la città vive un periodo d’indipendenza come Comune, poi passa sotto il dominio della Repubblica di Venezia, poi dei Francesi e degli Austriaci. In tutti questi secoli di dominio, le sue strade vengono allargate, ampliate e pavimentate, gli edifici ristrutturati ed ingranditi. Persino la grande Arena viene rimaneggiata e nel 1913 comincia finalmente la tradizione per cui è più famosa: il festival lirico, inaugurato con l’Aida di Giuseppe Verdi – proprio quella ripresa dallo spettacolo che ho recensito la settimana scorsa.

Sì, ma, Arena a parte, che cosa si può vedere a Verona in, diciamo, un pomeriggio? Insomma, un turista mordi e fuggi che si trova due o tre ore libere prima dell’inizio del suo spettacolo all’Arena, che percorso dovrebbe fare per respirare un po’ dell’aria veronese? Vi racconto il mio.

Via Mazzini, che nel Medioevo si chiamava Via Nuova ed era un pantano privo di pavimentazione e infestato da bancarelle e baracche fatiscenti.

Ho raggiunto la città dell’amore – buffo che abbia acquisito il titolo grazie alla storia di due adolescenti con gli ormoni in subbuglio, che hanno causato un gran casino, vero? – in auto e ho usufruito di un posto auto in uno dei numerosi parcheggi sotterranei attorno al centro. Il mio era in piazza della Cittadella e proponeva tariffe di 3 € l’ora, per un massimo di 18 € giornalieri, addebitabili comodamente sul Telepass.
Dal parcheggio e passando per la Porta Cittadella, un ricettacolo delle mura romane, si accede a Piazza Bra – anche solo La Bra -, la più grande piazza della città.

Il “retro” dell’Arena, che settimana scorsa ospitava dei guerrieri giganteschi che fanno parte della scenografia di Il Trovatore.

Alla vostra destra, oltre un parchetto dominato dalla statua di Vittorio Emanuele II a cavallo, si staglia la mastodontica mole dell’Arena, mentre a sinistra c’è una serie di palazzi (il Liston) che al piano terra ospitano ristoranti e localini sfiziosissimi. Seguendolo, vi ritroverete in via Mazzini, la via dello shopping veronese, tutta lastricata di liscio marmo e costellata di negozi, bar e boutique. La prima parte della via, fino alla fontana circolare, faceva parte del decumano romano, mentre la seconda fu aperta da Gian Galeazzo Visconti, che nella sua permanenza in città fece abbattere alcuni edifici.
Camminando, camminando, si taglia lungo via Catullo e la si percorre tra una pizzetta nascosta e l’altra, finché non cambia nome.

Ecco, se c’è una cosa che mi ha incuriosito nei primi momenti della mia passeggiata, è la frequente mancanza delle targhe con il nome delle vie: rende qualsiasi passeggiata più avventurosa, non c’è dubbio! XD

L’interno della Chiesa di Sant’Eufemia: la navata unica conferisce allo spazio una certa ariosità.

A un certo punto si passa di fianco alla Chiesa di Sant’Eufemia, un delizioso edificio dell’XI secolo che rischia di rimanere del tutto inosservato. Vale, invece, la pena di oltrepassare la facciata in cotto ed entrare nell’ombroso – e fresco! – edificio a navata singola, perdendosi negli affreschi delle pareti e della volta a botte. Se è aperto, potete ammirare anche il bellissimo chiostro e godere di un poco di pace.
Tornati al sole e all’afa, prendete via Dietro Sant’Eufemia – pochi cartelli per identificare le vie, ma una logica stringente per nominarle! – e osservatela diventare un sacco di altre vie, che vi portano alla cattedrale di Santa Maria Matricolare, il bianchissimo Duomo della città.

La facciata del Duomo, in stile rinascimentale. La cattedrale odierna sorge sui resti di due chiese più antiche, che furono distrutte da un violento terremoto nel 1117.
L’interno del duomo, con le sue bellissime colonne di marmo rosso veronese.

Tra le bellezze architettoniche e delle cappelle, spicca, proprio sulla sinistra all’entrata, la bellissima Assunzione della Vergine dipinta da Tiziano nel 1535: un capolavoro di nubi, luce e vortici di movimento.

Siamo vicini all’ansa dell’Adige e si respira l’odore del fiume a ogni zaffata di vento. Imboccata Via San Mamaso, con il Duomo alle spalle, si può andare a destra per il lungofiume o procedere verso sinistra e raggiungere Piazza delle Erbe, che sorge sull’antico Foro Romano. Da qui la Casa di Giulietta è a un tiro di schioppo, giusto il tempo di schivare i tavolini dei ristoranti e le bancarelle che vendono gli stessi cappelli e i souvenir.

Una Strega al balcone di Giulietta. Se qualche frate imbranato si fa vedere, lo mando a pelare patate!

Naturalmente, la Casa di Giulietta non è la vera casa della vera Giulietta, anzi, non sappiamo nemmeno se la Giulietta di Shakespeare sia mai esistita. E’ storicamente provato che esistessero dei Montecchi in città – una famiglia di ricchi mercanti, pare -, ma non ci sono mai stati Capuleti e il cognome a essi più vicino è quello dei Cappelletti. Anche se le famiglie rivali fossero realmente esistite, però, non è detto che l’accozzaglia di duelli, sospiri amorosi, arrampicate sui balconi e morti a causa di brutti sbagli che tutti noi conosciamo sia anche solamente in parte accaduta, e ai turisti piace sognare! Non stupisce, quindi, che nei primi anni del Novecento si sia trovata una casa di origine medievale in via Cappello n. 3, una casa con un balcone e un bel muro d’edera, che nei secoli era servita ai più disparati scopi, e la si sia trasformata nel sito odierno della Casa di Giulietta, con la sua bella statuina in bronzo, il portico ombroso in cui appendere i bigliettini e fare l’immancabile foto guardando fuori dal balcone.

Da Via Cappello si può tornare in via Mazzini e percorrerla al contrario, oppure proseguire fino alla Porta dei Leoni, oltre i resti del foro romano e alla colonna con il leone di Venezia, per incontrare la chiesa di San Fermo Maggiore.

San Fermo Maggiore, vista da dietro.

L’edificio è un interessante miscuglio tra lo stile romanico e quello gotico, con un abside tutto guglie e una facciata a capanna, e si compone di una chiesa inferiore, che risale all’VIII secolo, e una superiore edificata da benedettini e francescani tra il 1100 e il 1200. Al suo interno è custodita persino al tomba di un cavaliere, e che cavaliere! Il Gran Maestro dei Templari Arnau de Torroja, che morì a Verona nel 1184 e da qualche parte doveva pur essere sepolto.

Oramai vedete l’Adige, e volendo potete attraversarlo per visitare altre attrazioni della città, ma, se avete un appuntamento con una certa principessa Etiope come la sottoscritta, probabilmente vi conviene tornare a piazza Bra percorrendo lo Stradone San Fermo, che poi si trasforma in Via Leoncino e seguenti… Sbucherete proprio dietro all’Arena, dove sono riposti gli oggetti di scena delle opere che non sono rappresentate in serata, giusto in tempo per un pasto veloce in uno dei locali prima di varcare uno dei vecchi vomera romani e prendere posto per lo spettacolo!

Il mio percorso a Verona, così come lo vede Google Maps.

Quanti di voi conoscono Verona?
Pensate che mi sia persa qualche attrattiva importante? Fatemelo sapere nei commenti, che di sicuro quella di quest’anno non sarà la mia ultima visita a Romeo e Giulietta! 😉

Aida: fiamme, battaglie e trombe egizie all’Arena di Verona

06 sabato Lug 2019

Posted by in arte, collaborazioni, cultura, Musica, teatro

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Quella che vi apprestate a leggere è una nuova puntata della rubrica Cronache dal Palchetto (le puntate precedenti: qui, qui e qui), anche se un po’ atipica, dato che questa volta non c’è nessun palchetto. D’altronde, ero all’Arena di Verona!

Alta 31 m e con una pianta ellittica di circa 152×123 m, fu inaugurata nel 30 d.C. e in origine poteva ospitare circa 30.000 spettatori, che si riversavano sulle sue 44 gradinate da 72 aperture (vomera). Mica male, no?

Questo splendido anfiteatro romano ospita un festival lirico famosissimo, cui ogni anno assistono migliaia e migliaia di spettatori provenienti da tutto il mondo. Che una Strega melomane come me non avesse mai visto un’opera all’Arena nei suoi primi trent’anni di vita, dunque, era una lacuna che andava necessariamente colmata e la Fondazione Arena di Verona mi ha gentilmente aiutato a farlo offrendomi due biglietti per assistere all’opera che forse meglio si accorda con la straordinaria atmosfera di quest’architettura romana del I secolo d.C.: Aida, di cui amo in particolar modo la ricchezza dei personaggi in scena e la celeberrima marcia trionfale, che conoscono tutti, anche ignorando che appartiene a un’opera.

Giuseppe Verdi, “Beppe” per gli amici. Si rifiutò di riconoscere lo spettacolo del 1871 come debutto di Aida, perché non era soddisfatto del pubblico in sala, e accolse come data ufficiale quella del 1872 a Milano.

Aida, dramma lirico in quattro atti, fu commissionata a Giuseppe Verdi nella seconda metà degli anni ’60 dell’Ottocento, per l’inaugurazione del nuovo teatro di Il Cairo. Il libretto è di Antonio Ghislanzoni, su un soggetto originale dell’archeologo Auguste Manriette.

Il periodo storico in cui ci si trovava non era dei più tranquilli del secolo, e infatti la composizione e la messa in scena di Aida subirono notevoli ritardi a causa della guerra franco-prussiana, così Il Cairo si accontentò di inaugurare il suo nuovo teatro lirico con Rigoletto, mentre la nuova opera di Verdi vi debuttò nel 1871.

La storia è la solita valle di lacrime.
Aida, figlia del re d’Etiopia, è prigioniera degli Egizi – che ignorano la sua identità – e schiava nel palazzo del Faraone, dove si è innamorata del guerriero Radames, che ricambia i suoi sentimenti. Peccato che il baldo giovine sia oggetto dei desideri anche di Amneris, figlia del Faraone, e che l’esercito etiope stia muovendo guerra contro l’Egitto.

Foto ufficiale Arena di Verona.
Radames (M. Karahan, a destra) sta per essere nominato comandante dell’esercito.

Radames parte per la guerra e Aida si strugge, perché è divisa tra l’amore per la sua patria – e quindi spera e prega per la disfatta degli Egizi – e quello per Radames , dato che, se l’esercito del Faraone perde, lui, che ne è il comandante, può morire.
L’amato guerriero torna vincitore e con i prigionieri etiopi al seguito – c’è anche il padre di Aida, sotto mentite spoglie – e il Faraone gli concede non solo di esaudire qualsiasi suo desiderio, ma anche di sposare Amneris e diventare così l’erede al trono d’Egitto. Radames non può sottrarsi al volere del Faraone, ma ottiene che gli Etiopi siano liberati, anche se Aida e il padre vengono trattenuti come ostaggi. Il re d’Etiopia medita la vendetta per il suo popolo e convince, dunque, la figlia a farsi rivelare da Radames il percorso intrapreso dall’esercito egizio, in modo da poter schierare i suoi uomini e tendere una bella imboscata. Quando Radames, che casca nell’inganno con tutti i calzari, scopre la verità, si dispera e si consegna al sacerdote per essere processato come traditore della patria. La condanna, nonostante i tentativi di Amneris di ottenere grazia, è dura e il giovane sarà sepolto vivo in una tomba ai piedi della divinità. Quando le porte del mondo dei vivi si chiudono davanti a lui, Radames scopre che Aida l’ha seguito nella tomba per morire con il suo amato, come effettivamente succederà, mentre Amneris, in superficie, piange sul sepolcro.

Foto ufficiale Arena di Verona.
Una scena dal primo atto: il Faraone annuncia l’attacco degli Etiopi.

Al di là del coinvolgimento emotivo dell’opera verdiana, assistere a un’Aida nell’Arena di Verona è un’esperienza che va vissuta per essere pienamente compresa. Bisogna immergersi, immedesimarsi nella strana sinergia tra l’architettura antica, le scenografie coloratissime, i ricchi costumi e le performance degli interpreti in scena per rendersi effettivamente conto del motivo per cui quest’opera e questo teatro sono indissolubilmente legate.

Foto ufficiale Arena di Verona.
Una bella veduta laterale, dall’alto, delle gradinate dell’arena.

La rappresentazione di quest’anno è la riedizione di quella storica del 1913, arricchita con l’aggiunta del bel velario realizzato negli anni Novanta.
L’opera parte quasi in sordina, con il pubblico che riesce a bearsi più delle meravigliose scene del palazzo di Menfi che del bel canto degli interpreti, che – con l’eccezione di Alessandra Volpe (Amneris) – nel primo atto mi sono parsi un pochino sottotono non tanto musicalmente – le voci sono apprezzabilissime, in particolare quella del turco Karahan (Radames) come estensione e sfumature e di Anna Pirozzi (Aida) e della già citata Volpe -, ma come presenza scenica.

Così come la musica subisce un crescendo lungo lo snodarsi della trama e che culmina con la trionfale marcia egizia, che è stata un tripudio di fiamme, costumi e colori vivaci al suono delle celeberrime trombe egizie, anche la performance dei cantanti cresce d’intensità, collimando con uno struggente abbraccio dei due amanti nella disperazione di Amneris.

Foto ufficiale Arena di Verona.
Fine opera. Aida e Radames si abbracciano, Amneris si dispera… E due amanti che muoiono insieme è quanto di un lieto fine ci si possa aspettare dal Beppe.

Notevole anche la resa del balletto, che in Aida compare di sovente, coordinato da Gaetano Petrosino sulle coreografie di Susanna Egri, che compie una delicata commistione tra il gusto ottocentesco e le innovazioni del secolo successivo. L’ho trovato molto delicato, elaborato il giusto e a sostegno, non disturbo, del canto.

Qualcuno ha ordinato delle trombe egizie? XD
Questi strumenti dal timbro particolare furono realizzati appositamente per la creazione di Aida, sotto supervisione di Manriette.

Ieri ho colmato ben due lacune della vita stregata: ho finalmente visto – da vicinissimo, guardate nelle storie in evidenza sul mio profilo instagram! – dal vivo un’opera all’Arena di Verona e ho avuto tempo di visitare la città di Romeo e Giulietta, che avevo nel mirino da qualche anno. Della visita tra le stradine e i vicoli della città, però, vi parlerò in un prossimo post, in cui, dopo aver parlato di Beppe, mi dilungherò su una delle passioni che abbiamo in comune: quella per il buon vecchio William Shakespeare. 😉

Intanto voi, melomani nascosti, ditemi: siete mai stati all’Arena di Verona? E che cosa avete visto? Fatemelo sapere nei commenti!

A spasso sul tetto del “Domm”

22 lunedì Apr 2019

Posted by in arte, cultura, Milano

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Come numerosi post su questo Grimorio possono testimoniare, le festività sono generalmente dedicata alla visita a parenti e simili, ma si dice pur sempre Natale con i tuoi, Pasqua con chi vuoi, giusto? Ecco, allora, che ho deciso di smaltire l’uovo pasquale salendo sulle terrazze di una delle opere più maestose e belle erette dall’umanità. Il Duomo di Milano.

Magari pensate che, da brava Milanese, la qui scrivente Strega sia di parte nell’affermare quando sopra, eppure non sono mica l’unica a pensarla così! Mark Twain, per esempio, diceva: “Il Duomo, simbolo per eccellenza di Milano, è la prima cosa che cerchi quando ti alzi al mattino e l’ultima su cui lo sguardo si posa la sera. Si dice che il Duomo di Milano venga solo dopo San Pietro in Vaticano. Non riesco a capire come possa essere secondo a qualsiasi altra opera eseguita dalla mano dell’uomo”

Nel luogo dove sorge la chiesa più grande d’Italia (la basilica di San Pietro è in Vaticano) esistevano anticamente ben due edifici religiosi dedicati a Santa Maria Maggiore e a Santa Tecla, che però furono distrutte da alcuni crolli strutturali cui si aggiunse un incendio. Nel 1386 fu così deciso di erigere sulle rovine delle chiese precedenti un unico tempio che sorgesse nel cuore religioso di una città in espansione. Il primo progetto era indubbiamente pensato per essere costruito in mattoni, ma già l’anno successivo il duca Gian Galeazzo Visconti impose un progetto più ambizioso, per il quale chiamò a Milano i più famosi architetti e progettisti dello stile tardogotico. Il mattone originario fu sostituito dal più pregiato marmo di Candoglia, proveniente dalla Val d’Ossola e responsabile del colore bianco-rosato dell’amatissima cattedrale dei milanesi.

Nel modico arco temporale di cinque secoli, una sequela infinita di architetti, mastri vetrai, operai, carpentieri e fabbri – ciascuno con le loro vite, ciascuno con le loro storie – ha dato vita ai quasi 12.000 metri quadri di guglie intagliate, contrafforti, pilastri monumentali e statute che prendono comunemente il nome di Cattedrale di Santa Maria Nascente. Pensate al sudore, al sangue e alla fatica che, assieme ai sogni e alle speranze di queste persone rimarranno per sempre intrise in questi blocchi di marmo, all’energia creativa e dinamica che permea ogni voluta, ogni faccia demoniaca, ogni ala d’angelo: c’è di che commuoversi.

Ma abbandoniamo la storia spicciola e veniamo ai giorni nostri. Come si fa a visitare il Duomo, o il Dòmm, come lo chiamiamo noi milanesi? Non c’è nulla di più facile!
Se volete accendere un cero o semplicemente raccogliervi in preghiera all’interno di questa mastodontica casa del dio cristiano, l’ingresso è libero (anche se da alcuni anni limitato alla navata sinistra e a quella centrale), altrimenti potete accedere alla superficie intera con un ticket da 3 €. Non vi mentirò, c’è sempre fila per entrare in Duomo, e i controlli di sicurezza possono essere fastidiosi, ma l’attesa non è generalmente lunga, giacché i milanesi, financo le guardie giurate, sono abituate a fare andare le manine e si sbrigano abbastanza in fretta. 😉 Se volete visitare anche i sottostanti resti delle due chiese più antiche, ci sono altri biglietti da pagare o, in modo più conveniente, potete acquistarne uno cumulativo secondo le vostre esigenze (qui il sito ufficiale del Duomo, con tutte le informazioni che vi servono).

Il rosone centrale della grande vetrata dell’abside, visto dall’esterno.

Anche la salita alle terrazze è soggetta al pagamento di un biglietto, che può essere singolo o cumulativo, con percorso saltafila o meno e soprattutto può prevedere la salita a piedi o in ascensore… un particolare da non sottovalutare, considerato il centinaio di metri d’altezza ove vi troverete quando sarete arrivati alla terrazza più alta, quella da cui si gode una vista impareggiabile dello sklyline milanese e, proprio sopra le vostre teste, della Madonnina (o Madunina), una gioiosa statua dorata di Santa Maria, alta 4,16 metri e posta a 108,50 metri dal suolo che risale ai primi anni del 1700.

Che dire dell’esperienza sul tetto del Domm, se non che chiunque dovrebbe farla almeno una volta della vita?

Si sale vicino alla guglia Carelli, la più vecchia di tutte, che sulla sua sommità porta la statua di quel Duca Visconti che tanto si è penato per la realizzazione della cattedrale e per il prestigio di Milano, e poi si cammina lungo un percorso un po’ in pendenza tra archi acuti, contrafforti e pinnacoli decorati, l’uno diverso dall’altro. Il vento vi scompiglia i capelli, se vi affacciate alle balconate, e le scarpe scivolano leggermente lungo la parte superiore delle campiture di marmo, se cercate di affacciarvi si finestroni superiori per concedervi uno sguardo a volo d’uccello sul fumoso interno della chiesa.

Una veduta a strapiombo dal punto più alto delle terrazze. L’edificio con il tetto rosso è il palazzo dell’Arcivescovado.

La maestosità della costruzione, la smania di toccare il cielo di chi l’ha ideata e costruita, ci stupiscono e ci affascinano, perché, dal basso tutti questi dettagli non si notano, si perdono nella solita prospettiva piccina e banale di noi, poveri umani senza arte né parte.
Un po’ mi batteva il cuore, mentre ieri passeggiavo e sostavo tra queste meraviglie e pensavo che le persone che le hanno create non erano poi tanto dissimili da me, eppure la scintilla che ha generato il desiderio, l’idea e la manodopera necessaria per scolpire questi riccioli di marmo mi era – e continua a essermi – inconcepibile.

Quanto siamo piccoli, noi, con i nostri problemi e le nostre facezie, e quanto potremmo essere grandi, divini, se ci concentrassimo su quello che sappiamo veramente fare, non pensate anche voi?

Fantasie al Castello – Music for Fantasy

23 giovedì Ago 2018

Posted by in arte, cinema, collaborazioni, Musica, segnalazioni

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music for fantasy twitter

Credo che un film sia ben poca cosa senza la sua colonna sonora. Certo, trama, copione, interpreti ed effetti speciali sono elementi imprescindibili di ogni buona pellicola, ma sarebbero ugualmente convincenti senza il supporto di una musica adeguata? E la musica parla una lingua inarrivabile da qualsiasi arte visiva! Ci entra dentro, rimbomba nella nostra cassa toracica, s’insinua nei nostri neuroni e rimane per sempre nella nostra memoria senza che ce ne accorgiamo. Bastano però un paio di note ed eccola lì, la musica, che riemerge nella sua interezza e si porta dietro ricordi, storie, sensazioni ed emozioni che credevamo dimenticate.

estate-sforzesca-2018Il potere della musica unito alla magia del cinema è uno dei motivi principali per cui sono stata felicissima di approfittare dei due accrediti che l’Associazione Amici della Musica Milano mi ha concesso per Music for Fantasy, un concerto inserito all’interno di Estate Sforzesca, una manifestazione estiva che si tiene nel meraviglioso cortile delle armi del Castello Sforzesco di Milano, sotto alle stelle e ai torrioni illuminati. E c’è chi dice che non c’è magia nel mondo!

Music For Fantasy è il penultimo appuntamento della XXV edizione dei Notturni in Castello, un programma di concerti organizzato, appunto, dall’Associazione Amici della Musica Milano e distribuito in sei serate agostane nell’ambito della manifestazione che ho citato qui sopra. Il programma, come avrete capito dal titolo, verte sulle colonne sonore delle più celebri saghe fantasy e fantascientifiche di cinema e tv, arrangiate da Matteo del Soldà ed eseguite dalla Milano Chamber Orchestra sotto la direzione di Lorenzo Passerini. Questo gruppo di venti elementi, tutti giovani e diplomati nei conservatori più prestigiosi, si pone l’obiettivo di avvicinare il pubblico moderno alla musica classica e sinfonica, e quale migliore occasione potrebbe esserci per ottenere questo scopo, se non unirlo a temi che sono ormai nella memoria di tutti? Da Harry Potter al Signore degli Anelli e da Games of Thrones a Star Wars passando per Frankenstein Junior, la Milano Chamber Orchestra ha regalato al suo pubblico un viaggio fantastico in terre sconosciute, abitate da maghi, colleg- ehm… streghe, folletti e scienziati terribilmente geniali, con battaglie epiche, avventure emozionanti e momenti di divertimento.

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Tra l’altro, con un po’ di fantasia…

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…la somiglianza c’è. ^^

Pur non essendo particolarmente convinta dall’arrangiamento dei primi due brani (mi sono sembrati un po’ in sordina: forse la scelta è caduta su una partenza soft con un finale in crescendo, ma mi è dispiaciuto), è stato bellissimo lasciarsi cullare dalle musiche di J. Williams, H. Shore, J. Morris e R. Djawadi, viaggiare con la fantasia e tra i ricordi – gran parte delle colonne sonore eseguite appartengono a film usciti nella mia adolescenza, cioè in un periodo in cui la capacità di guardare ogni cosa in loop è praticamente infinita. In effetti, è proprio quello che facevo ^^’ – rimanendo nel cuore della mia amata Milano.

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Ho particolarmente apprezzato l’autoironia e la voglia di giocare col pubblico della Milano Chamber Orchestra: essere giovani aiuta a non prendersi sul serio, ma bisogna avere una certa disposizione mentale alla leggerezza, e loro sono stati molto bravi e in grado di rendere più digeribile un concerto non eccessivamente difficile da seguire, ma comunque di approccio insidioso per chi non è avvezzo alla musica sinfonica. E poi, io la Marcia Imperiale diretta da Darth Vader non l’avevo mai ascoltata. 😀

L’ultimo appuntamento dei Notturni in Castello è fissato per questa sera alle 21: il violinista A. Quarta interpreterà i più grandi successi di Astor Piazzolla e, se siete interessati, potete ancora recuperare dei biglietti (15 €, ridotto a 5 € per gli under 12). Vi basta registrarvi su Happy Ticket, oppure andare direttamente al cortile delle armi entro le 19:30 o alle 20:20 di oggi. In assenza di pioggia, non ve ne pentirete.

Una Strega nel Percorso dei Segreti

20 martedì Mar 2018

Posted by in arte, cultura, Milano

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nel percorso dei segreti

La Strega ha animo da esploratrice, ma purtroppo può concedergli libero sfogo solo di rado, e a spizzichi e bocconi. Nella seconda metà di giugno è in programma un viaggio memorabile, che sogno di fare da una vita, e nel frattempo mi accontento di scovare angoli nascosti nella mia amata, amatissima Milano. La scorsa settimana è stata la volta dell’Archivio Storico e del Sepolcreto della Ca’ Granda, durante una visita guidata denominata il Percorso dei Segreti che ha aperto i battenti solo a fine gennaio 2018.

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Veduta dell’Ospedale Maggiore, o Ca’ Granda, da un dipinto del 1842

Prima di raccontarvi la mia visita, vi do qualche informazione generale.
La Ca’ Granda (ovvero, la casa grande) è un edificio sito tra le odierne Via Francesco Sforza, Via Laghetto e Via Festa del Perdono (siamo in centro, tra le metropolitane di San Babila M1 e Missouri M3, vicini al Tribunale) che oggi è sede dell’Università Statale di Milano. La sua costruzione fu voluta dal neo duca di Milano Francesco Sforza (gli Sforza si erano appena appropriati della città un tempo viscontea) come unica casa di cura per i malati indigenti della città nella seconda metà del Quattrocento. 

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L’iniziale progetto del Filarete. La pianta è rimasta più o meno la stessa (il cortile principale è più ampio e la chiesa è stata spostata dal suo centro, ma ci siamo. La facciata è un po’ meno… turrita. XD

I fondi per questa costruzione arrivarono in modo furbescamente italiano: in accordo con Papa Pio II fu istituita una Festa del Perdono, ovvero un momento in cui, versando una somma di denaro, la Chiesa avrebbe perdonato i peccati del benefattore, per il 25 marzo, la Festa dell’Annunciazione, a cui l’edificio e la chiesa ivi inserita erano dedicate. La Festa del Perdono istituita nel 1459 come periodo limitato fu proclamata poi ricorrenza da Pio IV. Avuti i fondi e l’approvazione del Papa, Francesco Sforza affidò il progetto della Ca’ Granda all’architetto toscano Filarete, che già stava lavorando al Castello Sforzesco. L’edificio fu ideato in stile rinascimentale (che non andava tanto d’accordo con il gusto tardogotico lombardo dell’epoca), ma nel corso dei secoli subì numerosi rimaneggiamenti e aggiunte sostanziose, tanto che la fine dei lavori di costruzione si fa risalire al 1805, periodo napoleonico. L’Ospedale Maggiore continuò la sua originaria fino al 1939, quando i degenti vengono trasferiti nella nuova sede nel quartiere Niguarda (motivo per cui, se chiedete a un Milanese dove sia la Ca’ Grande, c’è una buona probabilità che questo, sbagliando, dica che è l’ospedale Niguarda). Durante i bombardamenti USA del 1943 l’edificio subì notevoli danni, venne ristrutturato e diventò sede dell’Università negli anni Cinquanta.

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Via Francesco Sforza, la porta delle meraviglie nel caratteristico mattone rosso quattrocentesco. 

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Foto: Milan l’era inscì (Milano era così). La porta delle meraviglie, la Ca’ Granda e il Naviglio. 

Ora torniamo alla meravigliosa giornata di sole in cui, sentendo già la primavera nell’aria, ho intrapreso il Percorso dei Segreti. Bisogna entrare nell’edificio da Via Francesco Sforza, poco prima dei resti della “porta delle meraviglie”. Fino alla prima metà del Novecento in questa via trafficata a pochi passi dal Tribunale di Milano, scorreva il Naviglio, e la porta di cui sopra era collegata a un piccolo molo per l’attracco delle imbarcazioni e a un ponte per passare sull’altra riva. Si accede all’Archivio Storico da una porticina sulla destra, che da su un cortiletto dall’aria dimessa cui non dareste due lire. Armati di elmetto di ordinanza (il soffitto è affrescato, ma non in ottime condizioni: non vogliamo guastarci la piega, vero?), entrate nella prima sala dell’archivio, che altro non era che l’aula seicentesca per le riunioni estive del Consiglio Amministrativo della Ca’ Granda. Il consiglio fu sciolto da Napoleone nell’Ottocento e le stanze dedicate alle riunioni (quella estiva e quella invernale, più raccolta e interamente arredata in legno di noce) furono destinate ad archivio. Qui si respira odore di carta vecchia, polvere e umidità – il paradiso del bibliofilo, in pratica – e si ha la possibilità di vedere una quantità indescrivibile di faldoni vecchi di secoli relativi a pazienti, medici, personale, spese e donazioni. I benefattori che versavano una somma consistente di denaro, tra l’altro, avevano diritto a farsi dipingere in un quadro (le cui dimensioni variavano al variare della somma versata…) e in origine le stanze dell’archivio erano letteralmente tappezzate dai ritratti del Benefattori della Ca’ Granda. Molti di questi dipinti, alcuni di un certo pregio, ora si trovano a Brera.

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La cripta è disseminata di “pozzetti”, dove venivano calate le salme. 

Il Sepolcreto è in realtà la cripta della Chiesa dell’Annunciazione, anch’essa costruita nel Seicento, a scopo di luogo di tumulazione dei morti dell’ospedale. La cripta aveva canaline di scolo che sbucavano direttamente nel Naviglio (lo vedete l’altare in fondo alla fotografia? Lì dietro c’è la porta delle meraviglie) e fu effettivamente utilizzata come sepolcreto per una cinquantina di anni. Nel 1695, dopo le continue proteste per gli umori malsani e la scarsità di igiene generata da una soluzione così bislacca, il cimitero della Ca’ Granda fu spostato nella vicina rotonda della Besana, costruita apposta lì vicino, e il Sepolcreto diventò un magazzino riprendendo valore solo nella prima metà dell’Ottocento, quando fu sede delle riunioni dei Carbonari e primo riposo dei caduti delle Cinque Giornate di Milano. Durante la seconda guerra mondiale il Sepolcreto divenne un’infermeria d’emergenza, e in effetti non subì troppi danni durante il bombardamento del ’43. Ultimamente è stato ristrutturato e messo in sicurezza, in modo da renderlo visitabile.

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La lista dei caduti durante le Cinque Giornate. I corpi dei deceduti furono successivamente spostati sotto il monumento di, appunto, Piazza Cinque Giornate.

Dell’originaria decorazione alla danse macabre non è rimasto che un alone. Immaginatevi scheletri danzanti dipinti sulla parete, teschi, ossa e altri simboli della caducità umana in un memento mori costante, che però non è sopravvissuto all’umidità del luogo. Anche le decorazioni ottocentesche sono in pessime condizioni, ma le lapidi, le statue e le stele funebri di alcuni benefattori fanno bella mostra di sé in un corridoio laterale e, nella penombra del Sepolcreto, hanno sicuramente il loro effetto. L’atmosfera del luogo, che ospita tutt’ora i resti di 150.000 persone, nel Seicento è andata irrimediabilmente persa, quindi, ma con uno sforzo dell’immaginazione si può tornare al primo Ottocento e, magari, ritrovarsi al lume di una lanterna cieca, circondati dai membri di un’organizzazione segreta, con lo sciabordio delle acque del Naviglio a coprire i sussurri dei cospiratori.

Il biglietto intero per la visita al Percorso dei Segreti è di 12 €, un prezzo un po’ altino, ma sul sito internet trovate spesso delle promozioni interessanti o dei biglietti cumulativi, che valgono sicuramente la pena di essere presi in considerazione dai turisti e, perché no?, dai milanesi con la voglia di conoscere la proprie – bellissima! – città.

Cronache dal Palchetto – Rigoletto al Ponchielli di Cremona

12 martedì Dic 2017

Posted by in arte, Musica

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I primi di dicembre sono un periodo meraviglioso per ascoltare (e vedere: non capirete mai la sua vera bellezza se tralascerete l’aspetto visivo) l’opera, sia comodamente spaparanzati sul proprio sofà che a maggior ragione a teatro, dal vivo. L’occasione di un invito al celebre Teatro Ponchielli di Cremona, poi, è proprio ghiotta e una Strega melomane come me non poteva farsela scappare, soprattutto perché era per una delle mie opere preferite di sempre, ovvero il Rigoletto di Giuseppe Verdi. Di quest’opera mi piacciono la cupezza di fondo, l’intenso rapporto padre/figlia che è al centro della storia e la profondità dei personaggi, che non sono mai scontati. I miei brani preferiti sono quelli del Duca di Mantova (Questa o quella, La donna è mobile…), Sparafucile e Vendetta, tremenda vendetta, ma li conosco quasi tutti a memoria, essendo questa proabilmente la prima opera lirica che io abbia mai ascoltato.

Rigoletto, opera in tre atti su libretto di Francesco Maria Piave, debutta nel marzo del 1851 al Teatro La Fenice di Venezia; la storia è ripresa da un dramma di Victor Hugo, Le roi s’amuse, ed è presto detta: siamo alla corte di Mantova nel Cinquecento e il buffone di corte del Duca, Rigoletto, spadroneggia tra cortigiani e, purtroppo, padri e mariti che tentano invano di riavere le loro donne, rapite dal Duca, che è un vero donnaiolo. Nelle sue prese in giro, però, si spinge troppo in là e suscita l’ira del conte di Ceprano, che medita vendetta, e di quello di Monterone, che gli getta una maledizione. Rigoletto non si cura del primo, ma rimane terribilmente impressionato dal secondo, anche perché anche lui, proprio come Monterone, ha una figlia (Gilda), che tiene nascosta a tutti, segregata in una casa assieme a una governante. Quello che il buffone ignora è che il Duca già conosce Gilda (anche se naturalmente non sa di chi è figlia) ed è riuscita ad affascinarla, rimanendone a sua volta infatuato, fingendosi uno studente squattrinato. I cortigiani guidati da Ceprano rapiscono Gilda, che credono l’amante di Rigoletto, e la cedono poi al Duca, mentre Rigoletto la ritrova disonorata e con il cuore infranto, perciò medita vendetta e decide di assoldare un sicario di nome Sparafucile. Gilda, però, ha animo buono e caritatevole, ed è sempre innamorata del Duca, così si sacrifica per salvarlo, compiendo la maledizione preventivata da Monterone e lasciando il padre solo e disperato.

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La corte del Duca di Mantova, e cui mura diventano delle teche ove esporre le sue conquiste. Le scene e i costumi sono curati da Tommaso Lagattolla. (foto ufficiale, grazie a Barbara Sozzi)

La rappresentazione del Ponchielli presenta una scenografia molto interessante. I personaggi si muovono su uno sfondo scuro e spoglio cui sono aggiunte strutture semovibili di metallo, simili ai paraventi, che di volta in volta simboleggiano la corte, la casa di Rigoletto o l’osteria di Sparafucile. Le strutture hanno il grande pregio di essere sufficientemente manovrabili da essere spostati dagli interpreti in scena con agilità, senza disturbare la continuità della storia né distogliere lo spettatori con complicate opere di montaggio. I colori di gran parte dei personaggi rimangono scuri e fumosi, permettendo ai toni forti dei protagonisti di risaltare moltissimo sulla scena e di rendersi immediatamente noti al pubblico. Ho amato il viola freddo della Contessa e del Conte di Ceprano, il verde cupo di Gilda e soprattutto il rosso sangue di Rigoletto (rosso come il mantello di Monterone: un collegamento molto efficace che esalta a lettura del rapporto tra i personaggi), che in questa versione porta una gobba finta ed è dunque deforme più nell’animo che nella realtà.

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Rigoletto (Angelo Veccia) e Gilda (Lucrezia Drei), nel primo atto. Il buffone è appena tornato dalla corte, dove Monterone gliene ha dette di tutti i colori.

Degli interpreti ho apprezzato soprattutto i bassi e i baritoni, come Sparafucile e Monterone. Il tenore Matteo Falcier è partito un po’ sottotono nel ruolo dello spumeggiante Duca di Mantova, ma si è debitamente riscattato nel secondo e nel terzo atto. Il ruolo di Gilda è rivestito da Lucrezia Drei, soprano nemmeno trentenne di Milano, in decisa ascesa, che mi ha colpito per la voce piena e corposa. Ascoltando le sfumature del suo canto ho subito pensato che fosse molto giovane, ma ne ho apprezzato la vivacità; è un peccato, quindi, che la sua performance sia stata rovinata da quella stecca così,alla fine del secondo atto e proprio sulla caballetta Vendetta, Tremenda Vendetta! Chi mi ha veramente colpito, ad ogni modo, è il baritono Angelo Veccia nei panni (gobba e tutto) di Rigoletto. Poco prima dell’inizio dell’opera il teatro aveva annunciato una sua lieve indisposizione, ma devo dire che non me ne sarei per nulla accorta se non l’avessi saputo prima: il suo buffone, con la contrapposizione tra le movenze esagerate di corte e quelle contenute della vita privata, la voce lievemente pastosa e l’energia del canto è stato il migliore personaggio in scena.

Riesco difficilmente a immaginarmi una domenica spesa meglio come la scorsa, sotto la neve, al teatro Ponchielli, ad assistere all’avverarsi della maledizione di Monterone da un palchetto, tanto che medito di ripetere l’esperienza al più presto! ❤

 

Voi come avete speso il weekend?

Cercasi mescolanza tra anima e scienza – Dentro Caravaggio

06 venerdì Ott 2017

Posted by in arte, Milano, segnalazioni

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Finalmente ho qualche minuto di tempo per raccontarvi della mostra Dentro Caravaggio! Se mi seguite su Instagram, sapete già qualcosina. Ho partecipato all’anteprima per la stampa dello scorso 28 settembre e, dopo una conferenza non lunga quanto la cartella stampa lasciasse immaginare (e meno male!) ho goduto di tutto il tempo che volevo per ammirare le venti opere esposte.

Sappiamo che oggi Caravaggio è uno dei pittori più famosi di tutti i tempi – seriamente, chi non lo citerebbe assieme al Magico Trio rinascimentale? -, ma chi è stato questo signore? Diamo qualche informazione.
Michelangelo Merisi (aka, il nostro uomo: Caravaggio) nasce a Milano nel 1571 e qui comincia la sua formazione come un normalissimo pittore dell’epoca. Il gusto pittorico del tempo si rifà ai grandi maestri del Rinascimento (Leonardo, Michelangelo e Raffaello) e la fine del Concilio di Trento (in seguito al rebellott causato da Martin Lutero, che noi chiamiamo Riforma Protestante 😉 ) vuole l’esaltazione della drammaticità dei soggetti religiosi ritratti con una predilezione per le conversioni e gli atti di sacrificio per la fede.

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Esiste uno sceneggiato italiano sulla vita di Caravaggio, interpretato da Alessio Boni. La fotografia è veramente bella. 

Caravaggio dimostra fin da subito un grande talento, ma anche un carattere complicato che lo mette spesso nei guai; è irascibile, impulsivo e passionale, senza contare che è un profondo amante del vino e delle osterie, dove tende a spendere tutti i suoi soldi. Proprio per i suoi toni amabili, il nostro pittore è costretto a fuggire da Milano (perché, dite? Uccide un uomo, va in carcere ed evade un anno dopo: cose che capitano) e a recarsi a Roma, dove gli viene commissionato un grande lavoro nella Cappella Contarelli della chiesa di San Luigi dei Francesi. Il lavoro è di proporzioni gargantuesche (come la commissione), ma il tempo di consegna è pochissimo, e il pittore si rende conto che non riuscirà mai a finire in tempo utilizzando le consuete tecniche di pittura su tela.

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Il celeberrimo Canestro di Frutta ci dimostra il metodo di pittura tradizionale: sulla tela si stendeva una preparazione chiara, su cui si tracciavano le linee guida del disegno con un carboncino o un pennello sottile. Dopodiché si dipingeva tutto, stando attenti a non sovrapporre gli strati di colore ancora freschi per non combinare un disastro. E la pittura a olio ci mette un sacco ad asciugare!!

Cosa fa, dunque, Michelangelo Merisi? Scurisce il fondo di preparazione su tela e si limita a dipingere solo le parti dei soggetti e dello sfondo che si trovano in piena luce o in penombra. In pratica, quando vedete il fondo scuro in uno dei dipinti di Caravaggio e pensate che sia frutto di un’ombreggiatura molto carica, state sbagliando, perché in quelle zone quasi nere non c’è semplicemente niente, nemmeno un tratto di disegno!

Da questo momento, Caravaggio diventa famoso in tutta la penisola italica e oltre, e abbandona totalmente il vecchio modo di dipingere. Il suo carattere, però, resta quello di sempre: pochi anni dopo il suo arrivo alla ribalta, uccide un altro uomo ed è costretto a fuggire da Roma recandosi a Napoli, Malta e in Sicilia. Morirà nel 1610, a trentanove anni di cui solo quindici di vita artistica, a Porto d’Ercole. Nel Novecento il Merisi assurgerà alla fama odierna grazie alla mostra curata da Roberto Longhi nel 1951, proprio a Palazzo Reale.

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Un cavaliere di Malta. Pare che anche Caravaggio sia entrato nell’Ordine.

Di Caravaggio mi piace la passionalità violenta delle sue opere, specialmente quelle mature, la teatralità di quel fondo scuro da cui i soggetti emergono, irradiati da un unico fascio di luce. Altro elemento di pregio è il realismo della sua pittura: fateci caso, nessuna delle sue figura è perfetta. Il cavaliere di Malta qui di fianco non è un fulgido eroe mitologico, il canestro di frutta di qualche paragrafo fa ha una mela bacata e le foglie di vite sono piene di buchi. Caravaggio introduce nei suoi dipinti il sudore, il sangue e la sporcizia, vi dipinge finalmente l’umanità ed è bellissimo.

 

 

La mostra Dentro Caravaggio del Palazzo Reale è costata oltre 3,5 milioni di euro, una cifra enorme! L’idea, credo, è promuovere una commistione tra l’emozione suscitata dall’arte di Michelangelo Merisi e la curiosità scientifica che dovrebbe risvegliarsi alla luce delle recenti nuove scoperte che le moderne tecnologie della diagnostica hanno reso possibili. In pratica, dal 2009 sono stati fatti studi approfonditi su una trentina di dipinti autografi utilizzando radiografie, analisi sulla composizione della pittura e quant’altro la Modernità possa offrire, da cui si è evinto cosa ci fosse sotto la crosta di pittura di ogni capolavoro e come quella crosta sia stata applicata. Dentro Caravaggio porta così in scena venti dei dipinti che sono stati selezionati affiancati da venti clip della durata di meno di un minuto in cui sono riversate le nuove scoperte.

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La Flagellazione di Cristo: uno dei miei preferiti!

La realtà, però, è che quando ci si trova davanti a un’opera di Caravaggio si rimane stupiti, quasi sbigottiti davanti alla sua forza emozionale, ed è difficile ricordarsi che girando attorno a quel meraviglioso capolavoro che ti strappa il cuore dal petto ci sia un filmatino muto proiettato senza sonoro su un triste schermino. L’arredo e le luci, che sono magnifici, intensi e teatrali, non supportano la missione di divulgazione scientifica, ecco. ^^
Mano a mano che ci si addentra nel percorso espositivo – disposto in tre fasi: la giovinezza, la rivoluzione dopo la Cappella Contarelli e la maturità artistica -, le sale sprofondano sempre più nella penombra, proprio come succede alle figure dei dipinti di Caravaggio, che si muovono su un fondale sempre più buio e drammatico. Arrivati nelle ultime sale la collaborazione tra ambiente e opere è tale che scoprire il prossimo quadro, sostare davanti ad esso, così vicino da poter toccare la pittura, è quasi commuovente.

Voi avete avuto occasione di vedere Dentro Caravaggio? Siete mai stati a Palazzo Reale? Fatemelo sapere nei commenti qui sotto!

 

Come, come?
Volete sapere cosa è stato tratto dalla giornata passata all’anteprima stampa? Qui c’è il mio articolo ufficiale sulla mostra: se volete darci un’occhiata e farmi sapere che ne pensate, ne sarò felice!

La georgiana Bath, tra le terme romane e Jane Austen

11 martedì Apr 2017

Posted by in arte, cultura, letteratura, libri, viaggi

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Veduta aerea del Royal Crescent e di The Circle

Bath è una cittadina termale inglese nella contea del Somerset, a circa tre ore di macchina da Londra, che sorge sulle due sponde del fiume Avon. Il luogo era conosciuto già all’epoca dei Celti (circa 2500 anni fa), ma le terme, che sfruttavano e sfruttano ancora l’unica sorgente di acqua sulfurea calda della Gran Bretagna, furono costruite nel 43 d.C. dai romani, che le chiamarono Aquae Sulis. Chi, come me, ha un’insana passione per i romanzi di Bernard Cornwell ha probabilmente avuto un tuffo al cuore nel leggere quelle due parole latine, ma nel periodo di Derfel, Merlino e Artù la storia della cittadina era appena cominciata, perciò ci tocca proseguire.

L’odierno nome della città è sassone, ma la Bath di adesso fu interamente costruita in Era Georgiana, ovvero a cavallo tra le decadi finali del 1700 e la prima metà del 1800, quando al trono d’Inghilterra si succedettero quattro “re Giorgio”. É stata un’epoca di grandi cambiamenti sia a livello politico- la perdita delle colonie americane, le guerre napoleoniche, la colonizzazione dell’Australia -, che sociale – vengono costruiti i primi orfanotrofi, la schiavitù viene abolita -, che naturalmente si riflettono anche sulle persone. Sempre più inglesi si trovano dotati di mezzi economici sufficienti per viaggiare e concedersi dei vizi, e gli abitanti di un anonimo villaggio in cui scorre una sorgente di acqua sulfurea con proprietà curative pensano di approfittarne. É in questo modo che nasce la Bath che possiamo visitare oggi, con il suo impianto neoclassico, l’abbazia neogotica e i riferimenti all’architettura rinascimentale italiana.

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Il Pulteney Bridge, completato nel 1774 in stile Palladiano sul modello del Ponte Vecchio di Firenze.

Non dimentichiamo, inoltre, che l’inizio dell’Ottocento è un periodo di grande ripresa per la cultura inglese (il British Museum di Londra fu fondato nel 1753) e la letteratura in particolare, con i lavori dei romantic poets della prima e della seconda generazione e i romanzi di Henry Fielding e Jane Austen, la cui personalità impregna Bath.

L’Autrice di Orgoglio e Pregiudizio e molti altri romanzi visse per meno di cinque anni in questa località termale e vi tornò saltuariamente per brevi periodi, inoltre, solo due dei suoi lavori – Persuasion e Northanger Abbey – sono qui ambientati, ma gli abitanti di Bath non hanno evidentemente perso il talento di approfittare di ogni scampolo d’interesse turistico disponibile. Passeggiando per le belle vie lastricate della cittadina, come vedremo, non è difficile ritrovare traccia della Austen quasi a ogni piè sospinto.

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La volta dell’Abbazia di Bath

Il fulcro della città è l’Abbazia, che ha origini normanne (ancora prima in loco esisteva un monastero sassone) ed è poi stata ampliata e ristrutturata in stile gotico. É possibile visitarla con un’offerta libera, oppure si può approfittare del Tower Tour (6 sterline): la salita lungo i duecentododici scalini della torre campanaria. La chiesa da sulla stessa piazza delle Terme Romane (entrata: 15 sterline) e del municipio (Guildhall), ed è proprio vicino al punto informativo per turisti, che in realtà a me è sembrato più un negozio di souvenir.
Dalla piazza dell’Abbazia ci si può incamminare verso la zona più “in” della città, oppure verso il fiume Avon per esplorare i suoi ponti e passeggiare lungo la North Parade.

 

ab9a81682eb9a44a15d71f244f0ee52eLa zona più elegante di Bath è a circa dieci minuti a piedi dalla piazza dell’Abbazia e consiste nel viale Royal Crescent, che si apre su un bellissimo parco, e nel The Circle, la piazza con una piccola aiuola verde al centro. Gli amanti della serie BBC di Persuasion non potranno non ricordare la topica scena di Anne Elliott che rincorre il capitano Wentworth sui lastricati di questa zona elegantissima, sotto la pioggia, gli altri possono approfittare di una giornata di sole per sedersi al parco del Royal Crescent, riposarsi e mangiare qualcosa.

Da The Circle, prendete Bennett Street, dove ha sede il Fashion Museum, il museo della moda, che raccoglie capi di stile ottocentesco. L’entrata costa 9 sterline (potete anche vestirvi con alcune riproduzioni dei vestiti dell’epoca e scattarvi una foto), ma è possibile visitare gratuitamente la parte dell’edificio che comprende le Assembly Rooms, ovvero le sale utilizzate per le feste e i ritrovi organizzati in città.

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Una delle Assembly Rooms, che si affacciano su una piccola saletta ottagonale

Prendendo invece Barton Street, sempre da The Circle, in cinque minuti arriverete al Jane Austen Centre (11 sterline per l’ingresso), un museo, manco a dirlo, dedicato alla figura dell’autrice inglese in cui lo staff vi accoglie nei panni e nello spirito dei personaggi più celebri usciti dalla sua penna. Al secondo piano del museo c’è una sala da tè il cui ingresso è gratuito e che effettua anche servizio gluten free, anche se è consigliabile prenotarlo prima, perché le scorte di scones et similia senza glutine si esauriscono in fretta, soprattutto nel weekend.

Tornare verso l’Avon è piuttosto semplice: vi basta puntare il campanile dell’abbazia, che è visibile più o meno ovunque in città, e raggiungerlo. Girando attorno alla chiesa vi troverete quindi sul lungofiume, che potrete percorrere fino al famoso Pulteney Bridge. In alternativa, potrete pagare le 4 sterline necessarie per fare un giro sulla North Parade, la stradina che segue la sponda nord del fiume, affiancata da un bellissimo giardino con ponticelli e gazebo.

La visita a questa cittadina termale è stata piacevole, ma personalmente non mi è rimasta nel cuore. Forse è a causa di una mentalità che punta un po’ troppo al guadagno dal turismo, che ha rivestito Bath intera di questa patina da “siamo cordiali e gioviali abitanti del sud dell’Inghilterra: amateci e visitate i nostri musei! Mangiate i nostri dolci tipici, fatevi una foto vicino al manichino di Jane Austen!”, che è un pochino sopra le righe. Sono però contenta di esserci stata, e soprattutto di aver goduto di una giornata favolosa, con una temperatura mite e un sole che scaldava le ossa. E pazienza, se Wentworth preferisce la pioggia. 😉

Marzo è un Mese Saggio

30 giovedì Mar 2017

Posted by in arte, cultura, libri

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…E se non è stato proprio un mese saggio, sicuramente è stato un mese di saggistica per me. 😉 I libri letti in questo mese sono due saggi: uno di filosofia e l’altro di storia dell’arte, uno breve e l’altro decisamente prolisso. Uno è un regalo molto apprezzato e l’altro un prestito generoso. Entrambi sono stati letture illuminanti.

L’Enigma di Piero: L’ultimo bizantino e la Crociata fantasma nella rivelazione di un grande quadro, S. Ronchey. Il grande quadro di cui si parla nel titolo è questo:

 

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La Flagellazione di Cristo, Piero della Francesca.

La Flagellazione di Cristo è una tavola di legno di circa 58×81 cm (poco meno di un poster: potreste appendervela in camera!), dipinta a tempera da uno dei massimi esponenti della pittura umanistica, Piero della Francesca, e conservato alla Galleria Nazionale delle Marche di Urbino, che vi consiglio sentitamente di visitare, se ne avrete l’occasione. Quest’opera, di cui non si conosce né la data esatta, né il vero significato (notate che l’oggetto della tavola, la flagellazione, è sullo sfondo e non in primo piano!) costituisce il fulcro del saggio di Silvia Ronchey, che illustra la sua teoria, secondo la quale la Flagellazione rappresenterebbe la delicata situazione dell’impero bizantino e la missione, poi fallita, di risollevarlo dalla sua caduta, avvenuta del 1453. Il tutto, in più di cinquecento pagine di una scrittura fluida e vivace, ricca di particolari e aneddoti insoliti, di ritratti dettagliati dei grandi personaggi dell’epoca e di vere e proprie analisi politiche. L’Enigma di Piero, come avrete intuito, è un saggio estremamente affascinante – non uno di quelli che si leggono per rilassarsi: bisogna metterci un po’ di testa! -, ma ha l’unico difetto nell’essere un po’ dispersivo. La Ronchey organizza la sua dissertazione in brevi capitoletti, che però non seguono – o non sembrano seguire – un vero e proprio filo logico e saltano di argomento in argomento senza che il lettore ne intuisca il filo conduttore fino a molto in avanti con la lettura, che è comunque estremamente interessante.

Platone. Repubblica, S. Blackburn. Simon Blackburn è un filosofo britannico contemporaneo, che fino al 2011 ha insegnato all’università di Cambridge. Nel 2006 ha scritto un breve saggio sulla Repubblica di Platone, che io ho ricevuto come regalo di Natale da un’amica solo geograficamente lontana. É stata una lettura interessante, perché Blackburn non si limita a sintetizzare le conclusioni dei dialoghi di Socrate e compagni redatti dal filosofo greco, ma offre spunti di riflessione e comparazioni con altri grandi filosofi moderni, costruendo collegamenti di pensiero che non tutti riterrebbero scontati. Il pregio più grande di Platone. Repubblica è sicuramente la brevità del testo, che però è molto denso di contenuti e impone una certa concentrazione. Avere una copia dell’opera di Platone da consultare durante la lettura del saggio di Blackburn è decisamente d’aiuto per la sua comprensione.

 

Dopo aver terminato questi due saggi, mi sono dedicata nuovamente alla narrativa, come potete vedere dal box delle letture di Goodreads. Dovete attendervi un post di fine aprile dal sapore… mitologico! 😉

Il Faust e l’Opera di Pechino

24 venerdì Mar 2017

Posted by in arte, cultura, Milano, teatro

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Faust, anziano studioso, tentato da Mefistofele. Foto della galleria del Teatro Elfo Puccini, come tutte le altre di questo post.

Quella di Faust è una figura letteraria affascinante; generalmente si tratta di un uomo ricco di conoscenza, talvolta un mago, che cede al diavolo la sua anima in cambio di poter godere di poteri sovrannaturali. Dal XVI secolo in poi, questo mito è stato trattato da una gran varietà di autori (basti pensare al Doctor Faustus di Christopher Marlowe, oppure alla resa di Alexandr Puskin o di Hector Berlioz), ma – e questo è un parere estremamente personale, badate bene! -mai con la stessa profondità e intimità del poema drammatico di Johann Wolfgang von Goethe (1749 – 1832).

Questo mostro sacro della letteratura mondiale mi è sempre piaciuto, sia perché amo follemente le sue opere, che per il ritratto dell’uomo che la storia ci ha affidato. Dovete sapere che il signor Goethe non si è distinto solo in campo letterario, ma anche nella pittura, nella scienza, nella filosofia e – last but not least! – nella politica. Ha avuto una vita lunga, ricca e proficua – gli riusciva tutto bene, sempre e in qualunque circostanza: pazzesco! -, durante la quale non ha mai smesso di lavorare al suo Faust. Oltre alla straordinaria resa del personaggio che da il nome all’opera e del diavolo Mefistofele, è enormemente interessante notare come nel testo emergano i cambiamenti avvenuti nello stesso autore durante le fasi della sua vita, da quella più passionale e ribelle dello Sturm un Drang giovanile al periodo classico degli anni maturi, fino alla posatezza dell’età avanzata… d’accordo, d’accordo: mi fermo qui. L’elenco dettagliato dei motivi per cui io adoro il Faust non è l’oggetto di questo post.

Qualche giorno fa, infatti, sono andata a vedere una rappresentazione della prima parte del dramma di Goethe, rivisitata per aderire agli schemi dell’Opera di Pechino, ovvero il particolare genere teatrale cinese dalla tradizione secolare e dai rigidi schemi interpretativi, che unisce canto, recitazione, danza e tecniche acrobatiche in un unico spettacolo.

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Faust, Valentino e Mefistofele.

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Mefistofele, in tutta la sua gloria da diavolaccio!

É stata un’esperienza entusiasmante!
La visione dello spettacolo è molto affascinante, nonostante le barriere linguistiche (gli attori, cinesi, parlano in mandarino poetico e, anche se ci sono i sovratitoli in italiano, l’occhio dello spettatore non può contemporaneamente seguire i movimenti degli interpreti e lo scorrere delle parole). I colori dei costumi e del trucco di scena colpiscono per la loro vivacità quanto le movenze incredibilmente aggraziate dei quattro attori catturano l’occhio del pubblico fino alla fine della scena. A tutto si aggiunge una musica suonata dal vivo – gli strumenti hanno posto sul palco, da un lato -, che mescola strumenti e melodie tipicamente cinesi con altri di della tradizione occidentale, in un connubio che da un lato ci rende le sonorità orientali più appetibili e dall’altro è terreno fertile per alcune uscite umoristiche che spezzano la tensione.

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Valentino cerca di accoppare Faust, che si è preso un po’ troppe libertà con sua sorella Margherita, ma Mefistofele è di altro avviso.

Quello che però mi ha colpito di più non è il livello visivo, ma quello concettuale della rappresentazione, perché, nonostante tutti siano tremendamente cinesi, nonostante le acrobazie, i combattimenti e un diavolo con un copricapo che lo faceva assomigliare più a uno scarabeo che a un demonio tentatore, i personaggi sono esattamente gli stessi usciti dalla penna di Johann Wolfgang von Goethe nel primo Ottocento. Il fascino ironico di Mefistofele è lì, vicino alla disperazione di Margherita, all’impulsività di Valentino e al desiderio di Faust di approfittare a piene della seconda possibilità che gli viene offerta su un piatto d’argento, sia quel che sia.

 

 

É come se la giovane regista tedesca Anna Perschke, coadiuvata dalla China National Peking Opera Company, avesse voluto mostrarci che, nonostante Occidente e Oriente sembrino due mondi lontani e distinti, sono più simili, intimamente, di quanto potremmo sospettare.