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Aida: fiamme, battaglie e trombe egizie all’Arena di Verona

06 sabato Lug 2019

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Quella che vi apprestate a leggere è una nuova puntata della rubrica Cronache dal Palchetto (le puntate precedenti: qui, qui e qui), anche se un po’ atipica, dato che questa volta non c’è nessun palchetto. D’altronde, ero all’Arena di Verona!

Alta 31 m e con una pianta ellittica di circa 152×123 m, fu inaugurata nel 30 d.C. e in origine poteva ospitare circa 30.000 spettatori, che si riversavano sulle sue 44 gradinate da 72 aperture (vomera). Mica male, no?

Questo splendido anfiteatro romano ospita un festival lirico famosissimo, cui ogni anno assistono migliaia e migliaia di spettatori provenienti da tutto il mondo. Che una Strega melomane come me non avesse mai visto un’opera all’Arena nei suoi primi trent’anni di vita, dunque, era una lacuna che andava necessariamente colmata e la Fondazione Arena di Verona mi ha gentilmente aiutato a farlo offrendomi due biglietti per assistere all’opera che forse meglio si accorda con la straordinaria atmosfera di quest’architettura romana del I secolo d.C.: Aida, di cui amo in particolar modo la ricchezza dei personaggi in scena e la celeberrima marcia trionfale, che conoscono tutti, anche ignorando che appartiene a un’opera.

Giuseppe Verdi, “Beppe” per gli amici. Si rifiutò di riconoscere lo spettacolo del 1871 come debutto di Aida, perché non era soddisfatto del pubblico in sala, e accolse come data ufficiale quella del 1872 a Milano.

Aida, dramma lirico in quattro atti, fu commissionata a Giuseppe Verdi nella seconda metà degli anni ’60 dell’Ottocento, per l’inaugurazione del nuovo teatro di Il Cairo. Il libretto è di Antonio Ghislanzoni, su un soggetto originale dell’archeologo Auguste Manriette.

Il periodo storico in cui ci si trovava non era dei più tranquilli del secolo, e infatti la composizione e la messa in scena di Aida subirono notevoli ritardi a causa della guerra franco-prussiana, così Il Cairo si accontentò di inaugurare il suo nuovo teatro lirico con Rigoletto, mentre la nuova opera di Verdi vi debuttò nel 1871.

La storia è la solita valle di lacrime.
Aida, figlia del re d’Etiopia, è prigioniera degli Egizi – che ignorano la sua identità – e schiava nel palazzo del Faraone, dove si è innamorata del guerriero Radames, che ricambia i suoi sentimenti. Peccato che il baldo giovine sia oggetto dei desideri anche di Amneris, figlia del Faraone, e che l’esercito etiope stia muovendo guerra contro l’Egitto.

Foto ufficiale Arena di Verona.
Radames (M. Karahan, a destra) sta per essere nominato comandante dell’esercito.

Radames parte per la guerra e Aida si strugge, perché è divisa tra l’amore per la sua patria – e quindi spera e prega per la disfatta degli Egizi – e quello per Radames , dato che, se l’esercito del Faraone perde, lui, che ne è il comandante, può morire.
L’amato guerriero torna vincitore e con i prigionieri etiopi al seguito – c’è anche il padre di Aida, sotto mentite spoglie – e il Faraone gli concede non solo di esaudire qualsiasi suo desiderio, ma anche di sposare Amneris e diventare così l’erede al trono d’Egitto. Radames non può sottrarsi al volere del Faraone, ma ottiene che gli Etiopi siano liberati, anche se Aida e il padre vengono trattenuti come ostaggi. Il re d’Etiopia medita la vendetta per il suo popolo e convince, dunque, la figlia a farsi rivelare da Radames il percorso intrapreso dall’esercito egizio, in modo da poter schierare i suoi uomini e tendere una bella imboscata. Quando Radames, che casca nell’inganno con tutti i calzari, scopre la verità, si dispera e si consegna al sacerdote per essere processato come traditore della patria. La condanna, nonostante i tentativi di Amneris di ottenere grazia, è dura e il giovane sarà sepolto vivo in una tomba ai piedi della divinità. Quando le porte del mondo dei vivi si chiudono davanti a lui, Radames scopre che Aida l’ha seguito nella tomba per morire con il suo amato, come effettivamente succederà, mentre Amneris, in superficie, piange sul sepolcro.

Foto ufficiale Arena di Verona.
Una scena dal primo atto: il Faraone annuncia l’attacco degli Etiopi.

Al di là del coinvolgimento emotivo dell’opera verdiana, assistere a un’Aida nell’Arena di Verona è un’esperienza che va vissuta per essere pienamente compresa. Bisogna immergersi, immedesimarsi nella strana sinergia tra l’architettura antica, le scenografie coloratissime, i ricchi costumi e le performance degli interpreti in scena per rendersi effettivamente conto del motivo per cui quest’opera e questo teatro sono indissolubilmente legate.

Foto ufficiale Arena di Verona.
Una bella veduta laterale, dall’alto, delle gradinate dell’arena.

La rappresentazione di quest’anno è la riedizione di quella storica del 1913, arricchita con l’aggiunta del bel velario realizzato negli anni Novanta.
L’opera parte quasi in sordina, con il pubblico che riesce a bearsi più delle meravigliose scene del palazzo di Menfi che del bel canto degli interpreti, che – con l’eccezione di Alessandra Volpe (Amneris) – nel primo atto mi sono parsi un pochino sottotono non tanto musicalmente – le voci sono apprezzabilissime, in particolare quella del turco Karahan (Radames) come estensione e sfumature e di Anna Pirozzi (Aida) e della già citata Volpe -, ma come presenza scenica.

Così come la musica subisce un crescendo lungo lo snodarsi della trama e che culmina con la trionfale marcia egizia, che è stata un tripudio di fiamme, costumi e colori vivaci al suono delle celeberrime trombe egizie, anche la performance dei cantanti cresce d’intensità, collimando con uno struggente abbraccio dei due amanti nella disperazione di Amneris.

Foto ufficiale Arena di Verona.
Fine opera. Aida e Radames si abbracciano, Amneris si dispera… E due amanti che muoiono insieme è quanto di un lieto fine ci si possa aspettare dal Beppe.

Notevole anche la resa del balletto, che in Aida compare di sovente, coordinato da Gaetano Petrosino sulle coreografie di Susanna Egri, che compie una delicata commistione tra il gusto ottocentesco e le innovazioni del secolo successivo. L’ho trovato molto delicato, elaborato il giusto e a sostegno, non disturbo, del canto.

Qualcuno ha ordinato delle trombe egizie? XD
Questi strumenti dal timbro particolare furono realizzati appositamente per la creazione di Aida, sotto supervisione di Manriette.

Ieri ho colmato ben due lacune della vita stregata: ho finalmente visto – da vicinissimo, guardate nelle storie in evidenza sul mio profilo instagram! – dal vivo un’opera all’Arena di Verona e ho avuto tempo di visitare la città di Romeo e Giulietta, che avevo nel mirino da qualche anno. Della visita tra le stradine e i vicoli della città, però, vi parlerò in un prossimo post, in cui, dopo aver parlato di Beppe, mi dilungherò su una delle passioni che abbiamo in comune: quella per il buon vecchio William Shakespeare. 😉

Intanto voi, melomani nascosti, ditemi: siete mai stati all’Arena di Verona? E che cosa avete visto? Fatemelo sapere nei commenti!

Cronache dal Palchetto – Falstaff

04 martedì Dic 2018

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Dicembre, per me, è il mese della musica lirica. Non che non ne ascolti durante il resto dell’anno, eh!, anzi, sicuramente ricorderete le mie incursioni in quel di Parma per il festival Verdi, ma sarà l’aria del Natale, sarà che la Scala apre la sua stagione proprio a Sant’Ambroes, dicembre è il mese in cui crogiolarmi tra arie e caballette mi piace di più. 

La scorsa domenica, per esempio, ho approfittato della gentilissima ospitalità del Teatro Ponchielli di Cremona, che per il secondo anno consecutivo mi ha offerto un posticino per una delle sue rappresentazioni della stagione operistica, il Falstaff di Giuseppe Verdi, per la precisione. 

Nella foto, Simon Russell Beale nel ruolo di Falstaff nell’Henry IV prodotto dalla BBC (The Hollow Crown, potete acquistare il cofanetto qui e non ve ne pentirete!) affiancato da Tom Hiddleston nei panni del futuro Enrico V.

Falstaff è un personaggio di William Shakespeare, un cavaliere decaduto, oramai vecchio, rozzo e sempre alla ricerca di denaro, che sperpera in lussi, cibo, vino e donne. Compare in alcuni drammi storici del Bardo, tra cui l’Enrico IV e l’Enrico V, e nella commedia Le Allegri Comari di Windsor, da cui è in effetti tratto il Falstaff verdiano. Si tratta di un personaggio complesso, un po’ comico e un po’ tragico, ironico e sarcastico, falso come una moneta da tre centesimi, ma anche con un cuore… molto in fondo. 

Giuseppe Verdi era un grandissimo amante di Shakespeare e per tutta la vita ha desiderato mettersi in gioco musicando una commedia, tanto per cambiare, dopo i molteplici drammi umani, che decade dopo decade ha proposto al suo pubblico. A ottant’anni suonati, quindi, accetta la sfida del librettista Arrigo Boito e in soli sei mesi compone la musica della sua ultima opera e, forse, di quella più atipica e originale di tutte. 

Spesso definita opera comica, anche se personalmente stento ad apporle un’etichetta, Falstaff consta di tre atti, per una durata totale di circa due ore e mezza, ed è ambientato nel XV secolo a Windsor. 
Sir John Falstaff alloggia alla locanda della Giarrettiera con i servi Pistola e Bardolfo e, tanto per cambiare, si trova in ristrettezze economiche. Decide quindi di sedurre due nobildonne, Alice e Meg, per poter liberamente pescare dalla loro colma borsa e fa loro recapitare due lettere d’amore identiche. Le due donne, che sono amiche, s’indignano e decidono di giocargli uno scherzo tale da insegnargli una volta per tutte che oramai è troppo vecchio e troppo grasso per giocare la parte del seduttore. Alice si finge quindi innamoratissima di Falstaff e gli fa recapitare un invito tramite la comare Quickly in casa sua, durante l’assenza di suo marito Sir Ford. Quest’ultimo, a sua volta, ha saputo della lettera che Falstaff ha spedito alla moglie e vuole vendicarsi a suo modo. Travestito da Signor Fontana, dunque, si reca alla locanda della Giarrettiera e offre al vecchio una borsa di denaro per sedurre Alice. Falstaff, compiaciuto, confessa che è già a metà dell’opera e così Ford scopre la presunta infedeltà della moglie.

Una scena della rappresentazione del Teatro Ponchielli. Falstaff (A. Gazale) è a sinistra, Ford (P. Ingrasciotta) a destra e si sta fingendo il signor Fontana, innamorato, non corrisposto, di Alice.

Falstaff si presenta a casa di Alice, ma vi arriva anche Ford, accompagnato dai suoi compari, per ucciderlo. Alice, Meg, la comare Quickly e Nennetta (la figlia di Alice) nascondono quindi Falstaff nella cesta del bucato, che poi fanno scaricare nel fiume tra le risa generali. Ford si compiace della furbizia della moglie e, non più geloso, passa a progettare il matrimonio di Nennetta con Cajus, un vecchio dottore pedante. Nennetta, però, è immancabilmente già innamorata del giovane Fenton e chiede aiuto alla madre. 

Un’altra scena dalla rappresentazione del Ponchielli, che fa tanto Sogno di Una Notte di Mezza Estate.

Ordendo l’ultimo scherzo nei confronti di Falstaff, Alice lo invita nel parco a mezzanotte, travestito da Cacciatore Nero, un personaggio di una favola per bambini popolata da fate, spiriti e folletti. Tutti gli abitanti di Windsor si mascherano da spiriti fatati e tormentano Falstaff, che si prende un gran spavento finché non riconosce Bardolfo sotto una maschera. Allora, mentre Nennetta sposa Fenton, prorompe nella morale dell’opera, della sua vita e forse anche di quella di Verdi: tutto nel mondo è burla. 

La rappresentazione di Falstaff a Cremona mi è piaciuta moltissimo sia per la parte musicale – orchestra e coro come sempre meravigliosi, interpreti molto bravi, a cominciare da Alberto Gazale (Falstaff) e Paolo Ingrasciotta (Ford) -, che per quella visiva, che mi ha colpito particolarmente. 

Le comari di Windor: da sinistra, Quickly (D. Innamorati), Nennetta (M.L. Iacobellis), Alice (S. Tisba) e Meg (C. Piva)

Nella regia di Roberto Catalano, la Windsor Seicentesca diventa un luogo senza luogo, da qualche parte tra l’Inghilterra, Napoli e la Sicilia, a metà degli anni Cinquanta. La locanda della Giarrettiera assomiglia a un circolino per gli anziani, con le pareti di un verde slavato e i faretti gialli alle pareti e Falstaff stesso è un vecchio affaticato, che rincorre i fasti della gioventù come un bambino i suoi giocattoli. 

I toni di scena e dei costumi giocano sui rilassati colori pastello, c’è tanto bianco e tanta luce, e poi c’è Falstaff, a metà tra Keith Richards (o un Jack Sparrow vecchio e grasso, fate voi) e Zucchero, vestito di scuro, trascurato e tremendamente fuori posto nel contesto generale. Basta solo la resa di scene e costumi per far intendere al pubblico che Falstaff non  si accorda al luogo in cui si trova, ma lui non sembra accorgersene e volteggia attorno agli altri personaggi, gettandosi a capofitto nei tranelli orditi contro di lui al ritmo delle ariette, delle fughe e del contrappunto creati dal buon Beppe, che evidentemente si è divertito nel comporre la sua opera. 

L’aspetto recitativo è importantissimo per il Falstaff, giacché alcuni brani sono più parlati che cantati, come capita anche nell’Otello, e i cantanti in scena sono estremamente mobili, dotati di una fisicità buona, favorita probabilmente anche dalla giovane età, e che ricorda molto più le produzioni inglesi di quelle italiane (e in effetti mi è venuta in mente quasi subito la Carmen del Royal Opera Theatre, l’anno scorso). Il movimento in scena diverte il pubblico e lo aiuta a superare anche i passaggi più arzigogolati della trama, fino al finale non già alla tarallucci e vino, ma con una più prosaica battaglia coi cuscini su un letto gigantesco, sotto le cui coperte sparisce Falstaff e con lui, prima o poi, anche noi. 

Ci sono dei melomani tra i miei lettori, ne sono sicura! Ditemi, avete mai visto il Falstaff del Beppe? Che cosa ne pensate?
Fatemelo sapere nei commenti!

Attila, fuoco e fiamme – Festival verdi 2018

07 domenica Ott 2018

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L'_Attila_ di Verdi al Teatro Regio di Parma

Ero talmente piccola che non ricordo la prima volta che ho ascoltato un’aria di Giuseppe Verdi, ma le sue musiche sono sempre state presenti nella mia vita, avendo dei parenti melomani. Fino a quando non ho visto la mia prima opera, però, la grandezza di questo signore che a scuola associavano al re d’Italia non mi era ben chiara, non capivo il motivo di such a fuss, come direbbero gli inglesi. Poi ho superato il punto di non ritorno: sono diventata parte entusiasta della schiera dei zumpappà.

437px-giuseppe_verdi_by_giovanni_boldini

zum pa pa, o zumpappà, che scriver si voglia, è il soprannome dato agli ammiratori di Verdi. Deriva da un ritmo spesso ripetuto nelle composizioni del Cigno di Busseto.

É dunque ovvio che io segua ogni anno e con un certo interesse il Festival Verdi, anche se da lontano. Negli ultimi due anni sono stata felicissima, però, di accettare il grazioso invito del Teatro Regio di Parma e seguire una delle quattro opere rappresentate nel corso della manifestazione. L’anno scorso è stato il caso di una bella Jerusalem, quest’anno, invece di Attila, uno dei drammi “giovanili” di Giuseppe Verdi, che non è spesso rappresentato e che io stessa non avevo mai ascoltato per interno né visto.

Il Nabucco del 1842 apre una decade in cui Giuseppe Verdi è particolarmente prolifico: in media compone un’opera all’anno, anche se lo fa imponendoselo, a volte controvoglia, per trarne profitto e raggiungere quella stabilità economica che ancora gli mancava. Non tutti i prodotti del periodo sono di successo, anzi il nostro Giuseppe riceve anche qualche batostella, comunque l’Ernani del 1844 è molto ben accolta e lo stesso impresario gli commissiona un nuovo lavoro per il Carnevale 1846 alla Fenice di Venezia. Il problema è che Verdi stava già lavorando ad almeno due opere e quindi non decide il tema della nuova commissione fino ai primi mesi del 1845, quando, sotto la dichiarata influenza di Madame de Stael, si fissa su una tragedia di Zacharias Werner, Attila re degli Unni.

0408_Attila_Riccardo Zanellato (Attila)_ph Roberto Ricci

Il basso Michele Pertusi nei panni di Attila, personaggio che da il nome dal dramma lirico in tre atti con libretto di Temistocle Solera e Francesco Maria Piave. La foto è di Roberto Ricci, come le altre di scena in questo post.

Attila va in scena nel marzo del 1846 ottenendo un discreto successo, che verrà presto messo in ombra dal Macbeth (1847) e poi dalle arcinote Rigoletto, Trovatore e Traviata (1851 e a seguire). É un Verdi acerbo, dicono, quello che compone la sequela di caballette di Attila, ma io personalmente apprezzo l’estremo senso teatrale di quest’opera, il suo ritmo e la sua energia. Mi piace che la storia sia pressoché scevra di morale – non ci sono eroi e antieroi, qui, sembra che una parte vinca sull’altra per mero caso – e che sia la passionalità che la anima a trionfare su tutto. Ma lasciate che vi illustri la storia di Attila.

1379_Attila

Siamo nel V secolo d.C., ad Aquileia, che gli Unni hanno appena invaso e devastato, uccidendo tutti i vinti per ordine di Attila, che entra in scena lodato da tutte le sue truppe, che gli offrono in dono una schiera di giovani donne italiche, catturate mentre combattevano eroicamente al fianco dei loro fratelli per salvare la loro patria. Tra di loro c’è Odabella, figlia del defunto signore di Aquileia, e Attila se ne invaghisce, mentre lei medita una crudele vendetta. Arriva Ezio, generale ed eroe di guerra romano, che propone ad Attila un patto terribile: lui lo aiuterà a distruggere l’impero d’Occidente e quello d’Oriente e in cambio Attila gli lascerà il dominio sulla penisola italica. L’unno rifiuta un simile patteggiamento ed Ezio se ne va, furioso, mentre, con un cambio di scena che descriveremmo filmico, i superstiti di Aquileia approdano a Rio Alto dopo una tremenda tempesta. A comandarli è Foresto, marito di Odabella, che l’ha saputa in mano al nemico e parte per salvarla per poi trovarla nell’accampamento degli Unni nei pressi di Roma e crederla amante di Attila stesso, finché Odabella non gli confida il suo piano. La giovane intende guadagnarsi la fiducia del barbaro e ucciderlo con le sue stesse mani, proprio come Giuditta fece con Oloferne, vendicando così la morte del padre e la caduta della città. Attila nel frattempo non sembra desideroso di entrare a Roma a causa di un sogno sconvolgente, in cui un vecchio lo tratteneva dai suoi scopi con parole imperiose, ed è terrorizzato quando incontra papa Leone, che gli si rivolge allo stesso modo e lo induce ad accettare la tregua proposta dall’imperatore Valentiniano.

1610_Attila

Di flaggellar l’incarco contro i mortali hai sol: t’arretra! Or chiudi il varco, questo dei Numi è il suol!, dice papa Leone ad Attila

Ai festeggiamenti per la tregua Ezio e Foresto complottano per uccidere Attila con una coppa avvelenata, ma Odabella, che vuole la vendetta per sé, avverte il condottiero barbaro, che, consumato dall’ira, decide di non dare più seguito a segni e visioni e marciare alla volta di Roma, non prima, però, di aver sposato la donna. Durante la notte di nozze si scoprono infine tutti gli altarini, e Odabella ottiene la sua vendetta sgozzando Attila di fronte allo stupore di Ezio e Foresto.

1777_Attila

Un’altra bellissima immagine di scena. Notate la cupezza e la drammaticità del tutto, la potenza della luce? Io trovo che sia tutto molto caravaggesco.

L’ultima volta che Attila è stato rappresentato al Teatro Regio di Parma risale a una ventina di anni fa e per questo ritorno Andrea De Rosa sceglie un allestimento nuovo, che esalta la cupezza dell’opera rispecchiandola negli scenari bui e nei colori tendenti al nero, con piccoli sprazzi di bianco che accecano lo spettatore tanto quanto il bellissimo gioco di luci a opera di Pasquale Mari. Il mondo in cui suona la musica di Verdi è popolato di spiriti e fantasmi e la sua natura è viva, fa sentire chiaramente la sua voce nell’irrompere glorioso dell’alba e nel fragore della tempesta. De Rosa esalta giustamente questa furia elementale in un modo che rimanda a The Tempest di Shakespeare – d’altronde lo stesso Verdi amava Shakespeare e se lo sentiva evidentemente affine, considerati tutti i drammi che ha trasposto in musica – e non stona con i costumi moderni, forse che rimandano agli anni Quaranta, di Alessandro Lai.

1174_Attila_al centro Maria José Siri (Odabella)_ph Roberto Ricci

Durante i festeggiamenti per la tregua, Odabella seduce Attila. Tra poco lo avvertirà del complotto.

Nel comporre l’Attila Giuseppe Verdi sapeva di poter fare affidamento su quattro interpreti validi, che lui già conosceva, perché ci aveva già lavorato, e quindi confezionò per loro romanze e caballette ritmate, ricche di sfumature, per le quali occorre talento, forza espressiva ed esperienza. Nessuna di queste doti manca a Michele Pertusi – un Attila veramente di tuono e tempesta, bravissimo! -, Maria Josè Siri – Odabella, appena un po’ parca di energie all’inizio – e Vladimir Stoyanov (Ezio), mentre il solo tenore Francesco Demuro (Foresto) è parso un po’ sperduto sul palco.

0757_Attila
Diciamo pure che Foresto è un personaggio un po’ infelice; non è il classico tenore eroico, non risolve la situazione né con il sacrificio né con la prestanza in battaglia, anzi, possiamo ben dire che quella che porta i pantaloni, in casa, è Odabella. Che figura femminile splendida che è Odabella, perché non se ne scrivono più di così simili a lei?

Tra un poderoso vento di tempesta, torce che brillano nella notte e città rase al suolo, le due ore di Attila scorrono senza quasi accorgersene, lasciando al pubblico una piacevole sensazione di leggerezza, e forse una pulce nell’orecchio: sia mai che il Verdi acerbo abbia ben più di qualcosina da dire?

Fantasie al Castello – Music for Fantasy

23 giovedì Ago 2018

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music for fantasy twitter

Credo che un film sia ben poca cosa senza la sua colonna sonora. Certo, trama, copione, interpreti ed effetti speciali sono elementi imprescindibili di ogni buona pellicola, ma sarebbero ugualmente convincenti senza il supporto di una musica adeguata? E la musica parla una lingua inarrivabile da qualsiasi arte visiva! Ci entra dentro, rimbomba nella nostra cassa toracica, s’insinua nei nostri neuroni e rimane per sempre nella nostra memoria senza che ce ne accorgiamo. Bastano però un paio di note ed eccola lì, la musica, che riemerge nella sua interezza e si porta dietro ricordi, storie, sensazioni ed emozioni che credevamo dimenticate.

estate-sforzesca-2018Il potere della musica unito alla magia del cinema è uno dei motivi principali per cui sono stata felicissima di approfittare dei due accrediti che l’Associazione Amici della Musica Milano mi ha concesso per Music for Fantasy, un concerto inserito all’interno di Estate Sforzesca, una manifestazione estiva che si tiene nel meraviglioso cortile delle armi del Castello Sforzesco di Milano, sotto alle stelle e ai torrioni illuminati. E c’è chi dice che non c’è magia nel mondo!

Music For Fantasy è il penultimo appuntamento della XXV edizione dei Notturni in Castello, un programma di concerti organizzato, appunto, dall’Associazione Amici della Musica Milano e distribuito in sei serate agostane nell’ambito della manifestazione che ho citato qui sopra. Il programma, come avrete capito dal titolo, verte sulle colonne sonore delle più celebri saghe fantasy e fantascientifiche di cinema e tv, arrangiate da Matteo del Soldà ed eseguite dalla Milano Chamber Orchestra sotto la direzione di Lorenzo Passerini. Questo gruppo di venti elementi, tutti giovani e diplomati nei conservatori più prestigiosi, si pone l’obiettivo di avvicinare il pubblico moderno alla musica classica e sinfonica, e quale migliore occasione potrebbe esserci per ottenere questo scopo, se non unirlo a temi che sono ormai nella memoria di tutti? Da Harry Potter al Signore degli Anelli e da Games of Thrones a Star Wars passando per Frankenstein Junior, la Milano Chamber Orchestra ha regalato al suo pubblico un viaggio fantastico in terre sconosciute, abitate da maghi, colleg- ehm… streghe, folletti e scienziati terribilmente geniali, con battaglie epiche, avventure emozionanti e momenti di divertimento.

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Tra l’altro, con un po’ di fantasia…

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…la somiglianza c’è. ^^

Pur non essendo particolarmente convinta dall’arrangiamento dei primi due brani (mi sono sembrati un po’ in sordina: forse la scelta è caduta su una partenza soft con un finale in crescendo, ma mi è dispiaciuto), è stato bellissimo lasciarsi cullare dalle musiche di J. Williams, H. Shore, J. Morris e R. Djawadi, viaggiare con la fantasia e tra i ricordi – gran parte delle colonne sonore eseguite appartengono a film usciti nella mia adolescenza, cioè in un periodo in cui la capacità di guardare ogni cosa in loop è praticamente infinita. In effetti, è proprio quello che facevo ^^’ – rimanendo nel cuore della mia amata Milano.

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Ho particolarmente apprezzato l’autoironia e la voglia di giocare col pubblico della Milano Chamber Orchestra: essere giovani aiuta a non prendersi sul serio, ma bisogna avere una certa disposizione mentale alla leggerezza, e loro sono stati molto bravi e in grado di rendere più digeribile un concerto non eccessivamente difficile da seguire, ma comunque di approccio insidioso per chi non è avvezzo alla musica sinfonica. E poi, io la Marcia Imperiale diretta da Darth Vader non l’avevo mai ascoltata. 😀

L’ultimo appuntamento dei Notturni in Castello è fissato per questa sera alle 21: il violinista A. Quarta interpreterà i più grandi successi di Astor Piazzolla e, se siete interessati, potete ancora recuperare dei biglietti (15 €, ridotto a 5 € per gli under 12). Vi basta registrarvi su Happy Ticket, oppure andare direttamente al cortile delle armi entro le 19:30 o alle 20:20 di oggi. In assenza di pioggia, non ve ne pentirete.

Cronache dal Palchetto – Rigoletto al Ponchielli di Cremona

12 martedì Dic 2017

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I primi di dicembre sono un periodo meraviglioso per ascoltare (e vedere: non capirete mai la sua vera bellezza se tralascerete l’aspetto visivo) l’opera, sia comodamente spaparanzati sul proprio sofà che a maggior ragione a teatro, dal vivo. L’occasione di un invito al celebre Teatro Ponchielli di Cremona, poi, è proprio ghiotta e una Strega melomane come me non poteva farsela scappare, soprattutto perché era per una delle mie opere preferite di sempre, ovvero il Rigoletto di Giuseppe Verdi. Di quest’opera mi piacciono la cupezza di fondo, l’intenso rapporto padre/figlia che è al centro della storia e la profondità dei personaggi, che non sono mai scontati. I miei brani preferiti sono quelli del Duca di Mantova (Questa o quella, La donna è mobile…), Sparafucile e Vendetta, tremenda vendetta, ma li conosco quasi tutti a memoria, essendo questa proabilmente la prima opera lirica che io abbia mai ascoltato.

Rigoletto, opera in tre atti su libretto di Francesco Maria Piave, debutta nel marzo del 1851 al Teatro La Fenice di Venezia; la storia è ripresa da un dramma di Victor Hugo, Le roi s’amuse, ed è presto detta: siamo alla corte di Mantova nel Cinquecento e il buffone di corte del Duca, Rigoletto, spadroneggia tra cortigiani e, purtroppo, padri e mariti che tentano invano di riavere le loro donne, rapite dal Duca, che è un vero donnaiolo. Nelle sue prese in giro, però, si spinge troppo in là e suscita l’ira del conte di Ceprano, che medita vendetta, e di quello di Monterone, che gli getta una maledizione. Rigoletto non si cura del primo, ma rimane terribilmente impressionato dal secondo, anche perché anche lui, proprio come Monterone, ha una figlia (Gilda), che tiene nascosta a tutti, segregata in una casa assieme a una governante. Quello che il buffone ignora è che il Duca già conosce Gilda (anche se naturalmente non sa di chi è figlia) ed è riuscita ad affascinarla, rimanendone a sua volta infatuato, fingendosi uno studente squattrinato. I cortigiani guidati da Ceprano rapiscono Gilda, che credono l’amante di Rigoletto, e la cedono poi al Duca, mentre Rigoletto la ritrova disonorata e con il cuore infranto, perciò medita vendetta e decide di assoldare un sicario di nome Sparafucile. Gilda, però, ha animo buono e caritatevole, ed è sempre innamorata del Duca, così si sacrifica per salvarlo, compiendo la maledizione preventivata da Monterone e lasciando il padre solo e disperato.

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La corte del Duca di Mantova, e cui mura diventano delle teche ove esporre le sue conquiste. Le scene e i costumi sono curati da Tommaso Lagattolla. (foto ufficiale, grazie a Barbara Sozzi)

La rappresentazione del Ponchielli presenta una scenografia molto interessante. I personaggi si muovono su uno sfondo scuro e spoglio cui sono aggiunte strutture semovibili di metallo, simili ai paraventi, che di volta in volta simboleggiano la corte, la casa di Rigoletto o l’osteria di Sparafucile. Le strutture hanno il grande pregio di essere sufficientemente manovrabili da essere spostati dagli interpreti in scena con agilità, senza disturbare la continuità della storia né distogliere lo spettatori con complicate opere di montaggio. I colori di gran parte dei personaggi rimangono scuri e fumosi, permettendo ai toni forti dei protagonisti di risaltare moltissimo sulla scena e di rendersi immediatamente noti al pubblico. Ho amato il viola freddo della Contessa e del Conte di Ceprano, il verde cupo di Gilda e soprattutto il rosso sangue di Rigoletto (rosso come il mantello di Monterone: un collegamento molto efficace che esalta a lettura del rapporto tra i personaggi), che in questa versione porta una gobba finta ed è dunque deforme più nell’animo che nella realtà.

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Rigoletto (Angelo Veccia) e Gilda (Lucrezia Drei), nel primo atto. Il buffone è appena tornato dalla corte, dove Monterone gliene ha dette di tutti i colori.

Degli interpreti ho apprezzato soprattutto i bassi e i baritoni, come Sparafucile e Monterone. Il tenore Matteo Falcier è partito un po’ sottotono nel ruolo dello spumeggiante Duca di Mantova, ma si è debitamente riscattato nel secondo e nel terzo atto. Il ruolo di Gilda è rivestito da Lucrezia Drei, soprano nemmeno trentenne di Milano, in decisa ascesa, che mi ha colpito per la voce piena e corposa. Ascoltando le sfumature del suo canto ho subito pensato che fosse molto giovane, ma ne ho apprezzato la vivacità; è un peccato, quindi, che la sua performance sia stata rovinata da quella stecca così,alla fine del secondo atto e proprio sulla caballetta Vendetta, Tremenda Vendetta! Chi mi ha veramente colpito, ad ogni modo, è il baritono Angelo Veccia nei panni (gobba e tutto) di Rigoletto. Poco prima dell’inizio dell’opera il teatro aveva annunciato una sua lieve indisposizione, ma devo dire che non me ne sarei per nulla accorta se non l’avessi saputo prima: il suo buffone, con la contrapposizione tra le movenze esagerate di corte e quelle contenute della vita privata, la voce lievemente pastosa e l’energia del canto è stato il migliore personaggio in scena.

Riesco difficilmente a immaginarmi una domenica spesa meglio come la scorsa, sotto la neve, al teatro Ponchielli, ad assistere all’avverarsi della maledizione di Monterone da un palchetto, tanto che medito di ripetere l’esperienza al più presto! ❤

 

Voi come avete speso il weekend?

Andrea Chénier alla Scala

08 venerdì Dic 2017

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Come da tradizione alle 17:45 del giorno di Sant’Ambroeus ero in pole position sul cadreghino del Covo Stregonesco, in attesa dell’inizio della Prima della Scala, che oramai è trasmessa in tv con grande gioia della sottoscritta, che per il momento non può permettersi un biglietto per quel teatro. 🙂
Quest’anno la scelta dell’opera di apertura è caduta su Andrea Chénier, di Umberto Giordano, che debuttò proprio nel teatro meneghino nel lontano 1896. La storia si sviluppa su quattro quadri e ricalca la vita del poeta francese André Chénier, che nell’epoca del Terrore subì la ghigliottina. Il dramma ruota attorno al piano personale espresso dal triangolo amoroso dei tre personaggi principali, Andrea, la contessina Maddalena di Coigny e il rivoluzionario Carlo Gerard e a quello politico e sociale della Rivoluzione Francese e del periodo che ne è seguito; Maddalena e Andrea si incontrano poco prima dello scoppio della Rivoluzione Francese, a seguito della quale diventeranno entrambi nemici della Repubblica. Quando i due giovani si ritrovano si innamorano l’uno dell’altra, a vengono scoperti da Gerard che, ex servitore della famiglia Coigny, è da sempre innamorato della contessina e la vuole disperatamente per sé. Andrea ferisce gravemente Gerard e poi fugge con Maddalena, mentre il rivoluzionario si rifiuta di denunciare il suo assalitore per amore della giovane; quando però il poeta viene catturato il rivoluzionario non resiste alle pressioni a cui viene sottoposto e lo denuncia, anche se se ne pente. Il destino di Chénier è ormai segnato e nulla e nessuno può cambiarlo, ma Maddalena è decisa a non lasciare il suo amato e, sostituitasi a una condannata alla ghigliottina, muore assieme a lui, mentre a Gerard non restano che le lacrime per il suo amore e per il sogno della sua patria andato in frantumi.

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Il salone da ballo della contessa di Coigny. I due specchi decorati sono in realtà trasparenti: durante la festa da ballo vi si scorgono i visiti del popolo affamato di Francia, come un brutto presagio di ciò che avverrà per gli abitanti del bel mondo.

Quella di portare l’opera più famosa di Umberto Giordano come apertura della stagione della Scala è una scelta coraggiosa, che non tutti (anzi, pochi!) possono apprezzare, ma che tutto sommato è stato un successo, soprattutto grazie alla mirabile direzione del Maestro Riccardo Chailly e del regista Mario Martone, che da alle scene una corposità simile al dipinto. 

La scenografia (Margherita Palli) mi ha colpita in particolar modo. Sembra essere costituita da una pedana girevole, che può mostrare ora una faccia, ora un’altra, permettendo ai quadri di scena di murare sotto gli occhi degli spettatori e senza svuotare il palco degli interpreti, che in effetti si limitano a stare fermi al loro posto mentre la pedana li porta fuori di scena. Così da un lato della medaglia c’è la sontuosa dimora dei Coigny, dall’altro un bordello della Repubblica; mentre Bersi (una strepitosa Annalisa Stroppa) tenta di liberarsi della spia messa alle sue calcagna e di attirare l’attenzione di Andrea Chénier, la dimora dei defunti conti diventa il tribunale della rivoluzione e nel momento in cui il poeta si difende dalle sue accuse il bordello si trasforma nella prigione… Il tutto con una fluidità quasi magica, accentuata dai bellissimi costumi di Ursula Patzak e da una gestione della luce che crea delle ombre quasi solide.

Degli interpreti ho apprezzato moltissimo, oltre alla Stroppa, la performance di Luca Salsi, che veste i panni di Gerard. La Netrebko ha una voce che è sempre una garanzia, potente e ricca di sfumature, invece il tenore Yusif Eyvazov (Andrea Chénier) non mi ha particolarmente convinta. Non che la sua voce non abbia estensione o sfumature, ma nel complesso mi è sembrato molto distaccato, e mi pareva mancasse di potenza. Certo, il debutto alla Scala farebbe tremare le ginocchia a chiunque, ma mi aspettavo qualcosa di più, anche perché l’intera storia dell’opera di Giordano si regge sul pathos.

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Andrea Chénier e Maddalena di Coigny si incontrano di nuovo nella fredda e solitaria notte della Parigi repubblicana. La Netrebko (alla sua terza Prima alla Scala: alla quarta le diamo una bambolina?) ed Eyvazov sono sposati nella vita reale e c’è chi dice che si percepiva un feeling particolare.

Sarebbe stato meraviglioso poter assistere all’Andrea Chénier dal vivo, invece che accontentarsi della diretta RAI, che, pure nei suoi pregi (riconosciamo il merito di portare al grande pubblico, bene o male, un evento mondiale come l’apertura stagionale del teatro alla Scala) non riesce proprio a inserire contenuti e presentatori degni di questo nome. Quest’anno anche la regia televisiva mi ha disturbato, soprattutto nella prima parte dell’opera: non sono riuscita a capire come mai si focalizzasse su primi piani e inquadrature dall’alto, quando la struttura su cui si muovono i personaggi da un così grande colpo d’insieme.

Insomma, lievi sporcature a parte anche l’Andrea Chénier di Chailly e Martone è andata, proprio come il Sant’Ambrogio 2017. Non so ancora quale sarà l’opera scelta per il 7 dicembre 2018, ma di sicuro sarò sul solito cadreghino, con l’albero di Natale acceso, a guardarla. 🙂 Chi di voi ha visto l’opera? Che cosa ne pensate?

Cronache dal Palchetto – Jérusalem

12 giovedì Ott 2017

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Questo è il mese del Festival Verdi, un evento musicale che celebra il famoso compositore italiano nel mese della sua nascita che si tiene tutti gli anni a Parma e in generale nelle Terre Verdiane. Io ho sempre voluto farne esperienza, ma – vuoi perché da Milano fino a Parma non sono esattamente due passi, vuoi perché al costo del biglietto c’è da aggiungere quello del viaggio, o perché non ho mai trovato nessuno sufficientemente melomane da accompagnarmi – non ci sono mai riuscita. La seconda metà di questo pazzo 2017 si sta tuttavia riservando piena di cambiamenti e sorprese, tra cui l’invito al Teatro Regio per vedere l’opera con cui è stato inaugurato il festival.

festival-verdiÉ stata un’esperienza bellissima, dall’inizio alla fine.
Il viaggio-lampo andata e ritorno, il teatro, i posti in palchetto (mi sentivo molto Ottocento!), il foyer affollatissimo e, naturalmente, l’opera in sé e per sé, il cui piacere è accresciuto dal fatto che la sua rappresentazione è cosa rara. Sto parlando, come avrete capito dall’immagine che apre questo post di Jérusalem, opera in quattro atti con musiche di Giuseppe Verdi e libretto in francese. L’opera – o meglio, la grand opéra – ha debuttato a Parigi nel 1847 ottenendo un discreto successo, cosa che non è avvenuta in Italia per due motivi precisi: la traduzione italiana del libretto era farraginosa e Jérusalem è in realtà un rifacimento di I Lombardi alla Prima Crociata, altra amatissima opera del giovane Verdi. In effetti, Jérusalem e I Lombardi alla Prima Crociata costituiscono il caso più unico che raro di due versioni della stessa opera tuttora coesistenti.

La trama è un po’ complicata anche per gli standard del melodramma. Siamo nel 1095, Papa Urbano II sta per dichiarare aperta la Prima Crociata. Il conte di Tolosa e il Visconte Gaston di Béarn si riappacificano dopo una faida durata anni e Hélène (figlia del conte) viene promessa in matrimonio a Gaston. I due giovani, che sono già innamorati, sono felicissimi, ma non sanno che c’è (naturalmente) qualcuno che trama alle loro spalle: Roger, il fratello del conte di Tolosa, vorrebbe infatti la nipote per sé e progetta di fare assassinare il suo rivale. A causa di un incidente, però, è il conte di Tolosa a essere ferito e creduto per morto; Gaston, ritenuto colpevole, è condannato all’esilio, mentre l’insospettato Roger sceglie di recarsi in Terrasanta per espiare con l’eremitaggio la sua colpa. Passano quattro anni e i Crociati giungono finalmente in Palestina alla guida del conte di Tolosa (vivo!) e seguiti da Hélène, che ha saputo che Gaston si trova prigioniero dell’emiro di Ramla. Ovviamente la ragazza tenta di liberarlo e finisce per essere relegata nell’harem dell’emiro, da dove lo stesso Gaston la salverà poco prima dell’entrata dei Crociati in città. Giunge il momento di conquistare Gerusalemme; Gaston – che non è propriamente il visconte più sveglio di Francia – viene spogliato del titolo nobiliare e del cavalierato, umiliato e condannato a morte tra le lacrime inconsolabili della sua amata, ma Roger – che intanto ha seguito l’esercito travestito da santo eremita e ha scoperto che suo fratello è ancora vivo – lo libera dal giogo del boia e gli intima di unirsi ai Crociati per morire con onore. La Città Santa viene presa, Gaston è sopravvissuto, ma Roger è ferito a morte e confessa la sua colpa con il suo ultimo respiro, ottenendo il perdono suo e dell’antico rivale.

Sebbene la musica sia stata scritta e rivista per la metrica francese, ascoltandola si respira tutto il Verdi dell’inizio, soprattutto per quanto riguarda a continuità narrativa e le arie del coro, la cui presenza ricorda moltissimo quella quasi protagonistica del Nabucco (1842. É quello di: Va’ pensiero sull’ali dorate…), ed è bellissima da seguire, anche se la lingua costringe a dover alzare spesso lo sguardo per leggere i sopratitoli.

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La scena iniziale dello spettacolo. Foto ufficiale di Roberto Ricci.

La Jérusalem del Teatro Regio di Parma è alla sua prima rappresentazione dopo trentasette (37!) anni ed è spettacolare sia dal punto di vista musicale che da quello visivo. Daniele Callegari dirige la Filarmonica Arturo Toscanini, sulle cui note gorgheggia un cast d’eccezione a cominciare proprio dal basso Michele Pertusi, assolutamente favoloso nei panni di Roger. Da ciò che ho scritto nel paragrafo precedente è evidente che non è possibile non citare anche il coro del Teatro Regio diretto da Martino Faggiani. La regia, la scenografia e i costumi sono curati dall’argentino Hugo de Ana, famosissimo anche per aver frequentemente collaborato con Riccardo Muti, che per la sua messa in scena ha creato un contesto del tutto particolare.

Il fondale di scena è scuro, con i toni del metallo e della roccia, e la scenografia è costituita da elementi concreti mescolati a contenuti multimediali (video e immagini) proiettati sulle pareti e su uno schermo aggiuntivo posto tra gli interpreti e il pubblico. É questo un velo sottilissimo e invisibile che permette di vedere con chiarezza cosa accade sul palco e nel contempo aumenta la realtà percepita dallo spettatore riflettendo i contenuti che vi vengono proiettati. L’effetto d’insieme è molto inclusivo, quasi come se fosse una realtà aumentata, e mi ha stupito moltissimo, perché non avevo mai visto un accorgimento del genere portato avanti su un’estensione così grande e per così tanto tempo (l’opera dura pur sempre tre ore e quello schermo è sempre in funzione!) Un contesto coinvolgente è doppiamente importante in un’opera in cui non si capisce che cosa cantano gli interpreti, perché aumenta la comprensione delle situazioni da parte del pubblico, ed è indubbio che Hugo de Ana sia riuscito nell’intento.

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Gaston viene spogliato dei suo titoli e condannato a morte. Nella foto sono visibili sia l’arredo e i personaggi veramente presenti sul palcoscenico che i cavalieri e le bandiere proiettate sullo schermo invisibile. Foto ufficiale di R. Ricci

Mi domando se d’ora in poi ci saranno più rappresentazioni di Jérusalem o se la prima grand opéra di Verdi tornerà tra le nebbie dell’oblio. Nel dubbio, io sono molto felice di averla potuta vedere. 😉

Di Quella Pira – Il Trovatore allo Sferisterio

20 sabato Ago 2016

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quadrati_sito-05Vi avevo anticipato il post in cui vi avrei parlato della rappresentazione che ho visto allo Sferisterio di Macerata durante le mie brevi vacanze e, siccome ogni promessa è debito, mi accingo qui a raccontarvi di questo Trovatore.

Prima, però, vi fornisco qualche informazione sull’opera e sul teatro per una lettura più consapevole di questo post.
Il Trovatore è una delle opere più famose di Giuseppe Verdi (costituisce la “trilogia popolare” assieme alla Traviata e al Rigoletto) ed è stata rappresentata per la prima volta nel 1853. La storia, sinteticamente, intreccia in maniera molto complicata l’ossessione di una zingara (Azucena) di vendicare la madre, bruciata sul rogo, l’amore tra due giovani (Manrico e Leonora) e la gelosia di un amante respinto (il Conte Luna); il tutto si svolge in quattro atti, che si dipanano in tre ore circa di spettacolo, con il climax che arriva proprio alla fine, con l’ultimo grido di Azucena, un misto di trionfo e disperazione che mette la pelle d’oca.
Lo Sferisterio di Macerata è un’arena all’aperto nel centro storico della città marchigiana, costruita tra il 1823 e il 1829, in un bello stile neoclassico. Inizialmente, l’edificio era destinato al gioco del Pallone col Bracciale, un derivato della pallacorda a cui – Dumas insegna – giocavano anche i Moschettieri di Re Luigi, e viene adibito agli spettacoli teatrali solo nel 1921. L’arena conta circa 2800 posti, disposti sia sul terreno che sugli anelli, e una buona acustica.

Ora, dal 1921 facciamo un bel salto in avanti e arriviamo alla stagione che si è appena conclusa, più precisamente al 12 agosto 2016, quando ho avuto il piacere e la fortuna di assistere alla rappresentazione del Trovatore di Verdi, sotto la direzione di Daniel Oren e la regia di Francisco Negrin.

mof20130726_trovatoreLa scenografia sul palco è molto semplice e consta sostanzialmente di due lunghe tavolate di sapore medievaleggiante, sopra e attorno le quali si muovono gli interpreti del dramma lirico, e una torretta nera, sulla cui cima fa capolino il fantasma della zingara morta sul rogo.
I colori di scena e dei costumi vertono sul nero e il rosso fuoco, con poche punte di marrone-cuoio: una scelta molto scenografica, ripresa anche dalla proiezione delle fiamme sul muro dello Sferisterio, che richiama anche il fuoco reale delle torce accese qua e la sul palco. I costumi degli interpreti principali sono anch’essi di gusto medievale, mentre quelli del coro ricalcano, credo, il tipico costume contadino della regione: le donne in gonna lunga, camicia e fazzoletto in testa e gli uomini in pantaloni, camicia e gilet. Il filone contadino è ripreso anche dalle due falci brandite dai fratelli divisi nell’infanzia, due dei pochi oggetti di scena presenti sul palco, unitamente a piccoli pugnali e una lunga corda rossa, che rappresenta via via il rogo, la prigionia e il destino mortifero dei personaggi.

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Manrico che, sopraffatto il Conte Luna, non ha il coraggio di vibrare il colpo fatale

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Leonora e il suo destino

Gli interpreti del dramma allo Sferisterio sono tutti dotati di talento ed esperienza, come da tradizione, e hanno offerto al pubblico uno spettacolo ottimo, di qualità tale da bypassare anche alcune scelte di regia, inutilmente ripetitive.
Marco Caria è un perfetto Conte Luna, diviso tra l’amore per Leonora (la stupefacente Anna Pirozzi) e l’odio nei confronti di Manrico (Murat Karahan, che ha sostituito egregiamente Piero Pretti, infortunato, e che correntemente ricopre lo stesso ruolo all’Arena di Verona), il cui cuore si divide a sua volta tra la sua bella innamorata e la madre, Azucena (Enkelejda Shkosa, misteriosissima, con una punta di arcano che rende perfetta la sua interpretazione). Cito a parte anche Alessandro Spina, nel ruolo di Ferrando, che mi è piaciuto molto.

Come ho già accennato, le scelte di regia non mi hanno convinto del tutto. Ho trovato interessante l’inclusione di due personaggi che in realtà nell’opera vengono nominati, ma non hanno voce né corpo, ovvero la madre di Azucena e il figlioletto accidentalmente gettato sul rogo. La loro presenza in tutto il corso del dramma lirico offre un’introspezione ulteriore nel personaggio della zingara, che in effetti può risultare più freddo e crudele di quel che si scopre ascoltando il canto, e nel contempo fa da supporto visivo alla tensione crescente della vicenda, introducendo anche quell’elemento mistico e inquietante che suscita sempre impressione negli animi. Considerando anche la staticità delle scenografie, che non subiscono cambiamenti nemmeno durante la pausa tra secondo e terzo atto, il movimento dei due mimi funge anche da collegamento dinamico tra i vari gruppetti di cantanti che si formano sul lunghissimo palco dello Sferisterio.
La scelta di alcuni movimenti degli interpreti, invece, poteva essere curata meglio, perché francamente la ripetitività di questi non aiuta a partecipare agli eventi e, anzi, diventa facile preda della parodia. Insomma, almeno due personaggi riflettono sull’amore mentre fanno colazione al tavolo (quando lo stomaco langue, il cervello lavora?) e il Conte Luna deve avere qualche problema di gestione della rabbia, perché non perde occasione per gettare tovaglie, piatti, stoviglie e bicchieri all’aria. Consigliamogli un po’ di yoga. 🙂

Scherzi a parte, lo spettacolo del 12 agosto è stato molto bello e l’atmosfera dello Sferisterio ha aggiunto una buona dose di poeticità a quella dell’opera verdiana, che si ascolta comunque sempre con piacere.
Non posso che lasciarvi con il suggerimento, per la prossima estate, di organizzare una sortita allo Sferisterio per assistere a un concerto o a un’opera (info sul programma 2017 qui): magari sarete fortunati quanto me e dividerete la vostra attenzione tra il palco e la magnifica volta stellata che solo il cielo d’agosto vi offre.

Pulzelle, Sogni e Proiezioni Astrali – Giovanna D’Arco

08 martedì Dic 2015

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Mica pensavate che la sottoscritta Strega facesse qualcosa di diverso, a Sant’Ambrös, che guardare la Prima della Scala, eh!

Quest’anno i gentili signori del celeberrimo teatro milanese hanno optato per mettere in scena la Giovanna D’Arco, di Giuseppe Verdi. Si tratta di un’opera che precede i famosi drammi lirici del Barbuto di Busseto (ha debuttato nel 1845), per il cui libretta Temistocle Solera si rifà alla splendida Die Jungfrau von Orleans (La Pulzella di Orleans) di Friedrich Schiller.
La trama è riassumibile come segue. Giovanna è una giovane contadinella che prega la Madonna affinché le permetta di combattere contro gli Inglesi, che stanno devastando il suolo francese (siamo nel 1429) e Maria acconsente, a patto che la giovane rinunci a tutti gli affetti mortali. Giovanna incontra dunque Carlo VII di Francia, che è tentato di abdicare in favore del Re d’Inghilterra, e lo convince a riprendere le armi. L’esercito francese vince la battaglia e Carlo VII confessa il suo amore a Giovanna, che lo ricambia e sta per cedergli, quando una visione la riporta sulla retta via. Durante l’incoronazione del re di Francia, Giacomo (il padre di Giovanna, che si è convinto che la ragazza abbia fatto un patto col demonio) la accusa pubblicamente di stregoneria e la fa rinchiudere in un castello sotto il controllo inglese, dove la giovane gli confessa di essere rimasta pura, anche se ha amato il re di Francia per un istante. Compreso l’errore, Giacomo libera la figlia, che si getta in battaglia e viene ferita a morte. In seguito, Giovanna ascende al Cielo sotto gli occhi del re e del padre.

La rappresentazione di ieri, diretta da Riccardo Chailly – che con Verdi fa miracoli! -, per la regia di Moshe Leiser e Patrice Caurier, ha dei lati apprezzabilissimi e alcune interpretazioni che io personalmente non condivido, prima tra tutte questa mania dell’accezione freudiana alle opere. Perché, signori, non riuscite a lasciare in pace il povero Sigmund?? Ci sono sicuramente delle opere che si prestano meglio di altre a interpretazioni di questo genere, vedi il Lohengrin di qualche anno fa, ma io mi chiedo sempre che ci azzecca l’amico Freud con Giuseppe.
In particolare, si è scelto di suggerire che Giovanna D’Arco sogni alcuni degli avvenimenti che la rendono protagonista, oppure presenzi ad altri sotto forma di una specie di proiezione astrale, cosa che, se è giustificabile e interessante nel prologo, non si accorda minimamente col libretto nell’ultimo atto. E io detesto quando gli interpreti cantano una cosa e ne recitano un’altra (vi ricordate la Traviata?).

Finite le critiche, passiamo a ciò che ha fatto sì che la Giovanna D’Arco di ieri godesse di più di un quarto d’ora di applausi ininterrotti, come gli interpreti principali, dotati di un enorme talento e di una voce straordinaria. Non si può non menzionare il soprano Anna Netrebko, splendida nel ruolo che da il nome all’intera opera sia per intensità che per doti canore,che divide il palco con Francesco Meli/Carlo VII e Giacomo/Devid Cecconi (che baritono!).
cvo5syswiaewifhLa scelta di scenografie e costumi è di dividere i due mondi di Giovanna in modo piuttosto netto, tra lo stile Ottocentesco – dai toni neutri e cupi -, che starebbe quindi a rappresentare la realtà, il secolarismo, e quello medievale dai colori tendenti al rosso, che rappresenta la religione e gli ideali, nonché il sogno. cvo6qhlw4aar3xm
Della scenografia apprezzo soprattutto l’idea della proiezione di immagini e luci sulle pareti e sul soffitto del palco, di grande effetto.
I costumi si concentrano sulla già citata dicotomia Ottocento/Medioevo, con l’aggiunta di un gruppo di diavolacci veramente ben progettati e ideati. Una menzione a parte la devo, in questo frangente, al costume di Carlo VII, che fa veramente un baffo al principe felice di Wilde.

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Mi sono piaciute molto anche le scene di gruppo (se non ho già citato il magnifico contributo del Coro della Scala alla riuscita dell’opera, mi sono macchiata di una colpa gravissima!!), che, oltre ad essere veramente molto ben orchestrate, hanno un che di pittorico che mi ha colpita molto positivamente.

 

Insomma, il tardo pomeriggio del giorno di Sant’Ambrogio è stato piuttosto soddisfacente. L’anno prossimo mi aspetto una Madama Butterfly da favola, ma nel frattempo, stamattina chi volesse può gustarsi la replica della Prima di quest’anno su Rai 5.
Melomaniac is the new black. 😉

Fedelmente, a Sant’Ambroes – Fidelio

08 lunedì Dic 2014

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Una scena dal secondo atto, sul finale dell'opera.

Una scena dal secondo atto, sul finale dell’opera.

Come ogni anno da un po’ di tempo a questa parte, trascorro il pomeriggio del giorno di Sant’Ambrogio in compagnia del collegamento Rai per la Prima della Scala, evitando accuratamente di prestare attenzione alle disastrose prestazioni dei commentatori.

L’opera scelta quest’anno per aprire la nuova stagione scaligera è il Fidelio, di Ludwig Van Beethoven. Diamo qualche informazione a riguardo.
Fidelio è l’unico Singspiel (aka, opera lirica. Più o meno) composto da quel genio immenso che è il signor Beethoven. Originariamente, era composto di tre atti, ma dopo il flop del debutto (1805), l’amico Ludwig decise di rimettere mano all’opera, che debuttò nuovamente nel 1814 nella forma in cui l’abbiamo sentita ieri sera.
La storia è ripresa da un’opera di un autore francese, che riprende a sua volta, pare, una storia realmente accaduta in Francia negli Anni del Terrore di Robespierre; il Singspiel di Beethoven viene invece ambientato nella Spagna monarchica.
La protagonista è Leonore, che si traveste da uomo e assume l’identità di Fidelio per cercare in un carcere il marito, Florestan, scomparso ormai da tempo. In verità, Florestan è tenuto prigioniero nelle segrete di detta prigione dal suo nemico, Don Pizarro, che lo odia profondamente. Leonore/Fidelio riesce a guadagnarsi la stima di Rocco, il capocarceriere, (e accidentalmente anche quella di sua figlia, Marzelline…), che si fa accompagnare da lui per scavare una tomba dove mettere un certo qual prigioniero… Leonore/Fidelio ritrova quindi il marito, e i due si salvano dalla vendetta tremenda di Don Pizarro grazie all’arrivo di un ministro del re, Don Fernando, che si fa raccontare l’accaduto e da l’ordine di imprigionare Don Pizarro.
Sì, avete capito bene, quest’anno non è morto nessuno. 🙂

Del Fidelio io apprezzo in modo particolare la figura di Leonore – finalmente, una donna protagonista di un’opera! -, specialmente se contrapposta a Florestan, deboluccio e bisognoso d’aiuto. La forza e la determinazione di questo personaggio sono assolutamente contemporanei e, per una volta, non associabili alla tipica figura femminile del melodramma e, sfortunatamente, anche della vita moderna. Un delizioso cambiamento.

Anja Kampe nei panni di Leonore.

Anja Kampe nei panni di Leonore.

Tornando alla rappresentazione di ieri sera, la scelta del regista (Deborah Werner) è stata quella di ambientare la vicende ai giorni nostri, e la signora Werner ha fatto veramente un buon lavoro, perché le scelte narrative e di scenografia non cozzavano minimamente né con il libretto, né con la vicenda narrata. Si può ben comprendere quanto sia difficile modernizzare un’opera senza sminuirla anche solo ripassando quello che è successo con la Traviata l’anno scorso.
La scenografia di entrambi gli atti è molto cupa e si mantiene quasi interamente sui toni del blu e del grigio. Il primo atto si apre su quello che la logica mi suggerisce essere il cortile esterno di una prigione, anche se lo trovavo particolarmente somigliante a quello delle vecchie case di ringhiera milanesi, soprattutto finché sono rimasti appesi i panni (lunga storia ^^); non è una somiglianza spiacevole. Il secondo atto, invece, si svolge su una scena abbastanza scarna, che con la giusta illuminazione funge da segreta e anche da cancello della prigione.

L’orchestra è magistralmente diretta da Daniel Barenboim, che da il suo addio al teatro lirico milanese (ci mancherà) con una performance d’eccezione. Sospetto che il Maestro apprezzi particolarmente Beethoven.
I personaggi principali dell’opera sono interpretati da cantanti dalla voce veramente bellissima, a cominciare da una perfetta Anja Kampe/Leonore/Fidelio. Da ricordare anche un cattivissimo Falk Struckmann/Don Pizarro e un Peter Mattei/Don Fernando, che fa sempre piacere rivedere (era stato il Don Giovanni di una Prima qualche anno fa, un’interpretazione davvero bellissima).
Una menzione a parte se la merita, nel Fidelio, anche il coro della Scala, che entra più o meno a metà dell’opera (sul finale del primo atto e ad inizio del secondo) e alla fine, con due brani che veramente mettono i brividi, specie nel finale.
Insomma, promuoviamo il Fidelio (se non vi è capitato di vedervi nemmeno un pezzettino, controllate il palinsesto di rai5: sicuramente faranno qualche replica), e – e questa è veramente una prima assoluta! – lo staff dietro gli account social del Teatro: è la prima volta che posso paragonare qualcuno in questo campo ad account stranieri come la BBC ad esempio.
Sul canale Twitter del teatro trovate svariate foto di scena, tra cui anche quelle in questo post, mentre su youtube potrete vedere che cosa succede nel backstage del teatro (incredibile). Non so dire se l’account facebook funzioni ugualmente bene, ma non è mica male per una patria di negati per i social applicati al business, no?