Capita ahimè spesso che a causa del gran casino che è la mia vita quotidiana io non riesca a vedere tutti i film candidati ai maggiori premi cinematografici, ma a Green Book tenevo in modo particolare.

Tanto per cominciare, Viggo Mortensen è un attore che apprezzo moltissimo per le sue doti interpretative e la sua capacità di calarsi completamente nei ruoli che interpreta, e poi perché la storia raccontata è vera.
Siamo a New York nel 1962 e l’italoamericano Tony Vallelonga (aka, Tony Lip) è momentaneamente senza lavoro dopo che il locale in cui faceva il buttafuori chiude in via temporanea. Dovendo mantenere la sua famiglia, accetta di lavorare per un musicista di colore, Don Shirley, che ha bisogno di un autista tuttofare per il suo imminente tour nel Sud del Paese. Siamo nel periodo della discriminazione razziale, esistono leggi che variano di Stato in Stato su quello che le persone di colore possono o non possono fare, e per organizzare gli spostamenti, Tony si deve basare proprio sul libro verde che da il titolo al film.

All’inizio della storia Tony e Shirley sono due personaggi agli antipodi, che hanno abitudini, maniere e linguaggio completamente diversi, ma la convivenza forzata e le esperienze affrontate li avvicinano e permettono loro non solo di comprendersi, ma di iniziare un’amicizia che proseguirà fino alla fine delle loro vite (sono entrambi morti nel 2013).

Don Shirley, in particolare, è un personaggio curioso. Cresciuto principalmente all’estero tra conservatori e scuole di musica, non veste, parla, mangia o si muove come il “tipico” afroamericano, anzi, sembra un signorino troppo pulito e francamente represso, solo e contento di esserlo. Naturalmente non tutto è come sembra, e infatti il musicista nasconde un tormento nell’anima e un profondo senso di inadeguatezza che a stento riesce a controllare. Tony Vallelonga è, invece, l’italoamericano per eccellenza: sguaiato, mangione e decisamente grezzo, ma anche con un gran cuore e un senso del dovere e della morale precisi.

Del film di Peter Farelly, che conta tra gli sceneggiatori anche Nick Vallelonga, figlio di Tony, ho amato moltissimo il metro narrativo, che mescola momenti di grande difficoltà con attimi di pura commedia. Non è facile rendere giusta importanza alle vessazioni e alle angherie subite da Don Shirley nel corso del suo viaggio nel Sud, rendendo visibile l’aspetto paradossale che lo vedeva non solo invitato a suonare negli stessi luoghi che lo discriminavano, ma anche applaudito e lodato dalle persone che nel contempo lo trattavano e lo giudicavano come un essere inferiore. Allo stesso modo, inserire momenti di leggerezza in una storia che altrimenti risulterebbe troppo pesante è un procedimento rischioso, perché è facile rovinare un bel racconto e difficile esaltarlo.

La bellezza di Green Book sta proprio nell’equilibrio tra il dramma e l’aspetto divertente, nel viaggio non solo materiale di due persone che partono nemiche e tornano legate per la vita, e spero ardentemente che questa pellicola vinca almeno qualcuno degli Oscar per cui è nominata (Miglior Film, Miglior Attore Protagonista, Miglior Attore Non Protagonista, Migliore Sceneggiatura Originale e Miglior Montaggio), dopo che si è portata a casa un bel numero di Golden Globes, anche se li avrebbe meritati tutti.

Voi avete visto Green Book? Fatemi sapere che cosa ne pensate nei commenti!

Da amante del romanzo storico, non posso non amare i film in cui la storia è protagonista, e infatti credo di aver visto tutti quelli usciti negli ultimi tempi. A volte è stato un amore al primo fotogramma e altre meno, come nel caso di Maria Regina di Scozia, diretta da Josie Rourke, regista cinematografica e soprattutto di teatro, ultimamente legata al Donmar Warehouse di Londra (suo è il Coriolano di cui vi ho parlato qualche anno fa).

Al di là della mia passione per la storia, anche il soggetto del film m’intrigava moltissimo, perché racconta – o promette di raccontare, almeno – la contrapposizione di due regine, due donne di potere, emancipate rispetto ai loro tempi e per certi versi anche rispetto ai nostri. Insomma, stiamo parlando di Maria Stuarda, regina di Scozia, vedova di un re di Francia e madre di un futuro re d’Inghilterra, ed Elisabetta I (a personal favourite) regina d’Inghilterra, figlia di Enrico VIII e Anna Bolena, che non si è mai sposata e ha retto le sorti di un regno in pericolo, portandolo alla gloria!

Le due donne non si sono mai incontrate, eppure i loro destini sono inevitabilmente uniti dalle trame della storia e della politica, nonché da una curiosa contrapposizione – Maria bella, impetuosa e fertile, Elisabetta volitiva, riflessiva e senza eredi diretti – che farebbe la gioia di qualsiasi scrittore di narrativa: ce n’è di materiale per farci un film!

Josie Rourke, però, sceglie di concentrare le due ore della pellicola sugli accadimenti compresi tra il ritorno di Maria in Scozia e la sua abdicazione forzata, utilizzando un ritmo narrativo lento e rilassato, forse un po’ troppo, se contiamo che stiamo parlando di un film, e non di una pièce teatrale. Un po’ più di strategia politica, qualche accenno alle congiure contro Elisabetta, che Maria potrebbe o non potrebbe avere appoggiato, avrebbero per lo meno movimentato un po’ la vicenda, di sicuro più dei cinquanta minuti del film in cui la regina di Scozia è incinta.
Scenografie e costumi sono molto belle e il gioco di luci e colori non può non colpire lo sguardo dello spettatore.

C’è però una cosa che non posso salvare, nemmeno volendo, e non c’entra nulla con il cast, peraltro di buon valore.
Un po’ di accuratezza storica, in un film così, è necessaria, soprattutto se stiamo raccontando vicende che sono già incredibili, senza bisogno di romanzarle in modo eccessivo.

Tollero poco questa rivisitazione da femminismo moderno, con ventimila cenni alla sorellanza, tanto cuore, tanta contrapposizione al freddo mondo degli uomini – tutti traditori -, che imprigiona le due donne ricche di sentimenti, impedendo loro di fare quello che vorrebbero fare… Ma di che stiamo parlando?! Non è che le due regine fossero due sante, anzi, e avevano una personalità talmente forte da renderle difficilmente influenzabili. E poi, perché dobbiamo ammorbidire tutto, perché un personaggio di stato non può essere sia una donna, che uno spietato politico?

La visione della Rourke snatura completamente i personaggi, trasformando soprattutto Maria in una specie di eterna adolescente petulante e lamentosa, per cui difficilmente si può parteggiare, ed Elisabetta, a cui tutto sommato va un po’ meglio, perde molta della vividezza e del fascino.
Non so, sembra che l’unica possibilità per offrire una visione femminile di una storia al femminile sia puntare sulla sorellanza, la rivalità e il senso frustrato di maternità. Non c’è altro modo, mi chiedo?

Oddei, non è che Mary Queen of Scots sia inguardabile, è un film carino, che si guarda una volta sola e che poi si dimentica per metà. Un bel vorrei, ma non posso, insomma, con due attrici protagoniste che potevano offrire di più.

I “vecchi” film sono un punto debole della Strega, ormai lo sapete, e purtroppo i remake esercitano su di me un fascino strano, in molta parte assimilabile alla spinta masochistica. Insomma, avrei dovuto imparare la lezione con i due remake di Ben Hur, giusto? Oppure con quello sui Magnifici Sette. Invece no, non appena ho saputo dell’uscita di Papillon ho dovuto andare a vederlo al cinema.

Il film è il rifacimento della pellicola del 1973 che vedeva Steve McQueen e Dustin Hoffman nei panni di Henri “Papillon” Cherriere e Louis Degas, diretti da Franklin J. Shaffner. Il Papillon del 1973 a sua volta si ispirava al romanzo autobiografico dello stesso Charriere, che era uscito in Francia nel 1969 destando molto successo e molta incredulità per via degli eventi raccontati, che in effetti, considerando che interessano un sol uomo, meravigliano ancora oggi.

Già, ma quali sono questi eventi incredibili?
Nella Parigi del 1931 il ladro Henri Charriere, detto Papillon per la farfalla che ha tatuata sul petto, viene condannato per un omicidio che non ha commesso e spedito a scontare l’ergastolo nella Guiana Francese, allora uno dei regimi carcerari più duri e crudeli del mondo. Durante il viaggio di trasferimento, Papillon cerca l’associazione con Louis Degas, un falsario che dispone del capitale sufficiente per finanziare la sua fuga, e gli offre la sua protezione. Papillon tenterà di evadere per ben tre volte nel corso della sua prigionia e affronterà prove e punizioni durissime, ma tra lui e Degas s’instaurerà un profondo sentimento di amicizia, che aiuterà i due uomini a sopravvivere.

Nonostante temessi il peggio, il remake firmato Micheal Noer è un film godibile, che si discosta pochissimo dalla prima pellicola. I costumi, ad esempio, sono esattamente gli stessi e la scenografia si differenzia di poco, nonostante il film di Shaffner sia stato girato prevalentemente in Giamaica e quello di Noer tra Malta e la Serbia.

Sui nuovi interpreti avevo i miei bravi dubbi, giacché… beh, rivestire i panni di due mostri sacri come Steve McQueen e Dustin Hoffman non sarebbe facile per nessuno e Charlie Hunnam e Rami Malek sono sicuramente due baldi giovani, ma questo non li rende automaticamente adatti al ruolo. Ho dovuto ricredermi su Hunnam, che in verità mi sembra un ottimo erede per Steve McQueen: il suo Papillon è certamente più muscolare rispetto al 1973, ma conserva l’energia nervosa e il pathos emotivo di tutti i momenti di prigionia, anche i più duri. Sicuramente il fatto che Noer abbiamo modificato la pellicola perché risultasse più fisica e cruda, accordandosi al gusto degli anni Duemila, sì, ma anche al suo interprete protagonista, ha giovato alla performance dell’attore che abbiamo conosciuto in Sons of Anarchy. Rami Malek, per quanto molto bravo, mi ha convinto un po’ di meno, probabilmente perché è troppo “pulito” e in carne. La sua figura avrebbe dovuto far contrasto con quella di Papillon/Hunnam, ma la cosa non è così evidente e inoltre il tono della pellicola non lo aiuta a rendere il suo personaggio per le stesse motivazioni per cui quello di Charriere risalta invece così bene.

L’accento di Papillon rimane sul rapporto di amicizia tra i due protagonisti, come nel 1973, e penso che questa sia stata una scelta vincente da parte della produzione, che avrebbe benissimo potuto trasformare questo nuovo remake in un ennesimo film d’avventura all’americana e invece ha sfornato un prodotto ben fatto, godibile e, volendo, anche commovente. Non male per un film d’estate, no? E chissà che la maledizione dei rifacimenti cinematografici sia finalmente alle mie spalle. 😉

The Death of Stalin, o Morto Stalin se ne fa un altro, è entrato nella  mia lista di visione nel momento esatto in cui ho appreso dell’esistenza della pellicola diretta da Armando Iannucci per due motivi ben precisi: ammiro molto il lavoro di almeno due membri del cast e il trailer, che gioca sull’ironia, mi ha conquistata. Approfittando, quindi, di uno scampolo di tempo libero graziosamente offertomi da un virus parainfluenzale (era il 7 marzo… questo post giunge paurosamente in ritardo), l’ho visto nel rassicurante silenzio del Covo, che di pomeriggio è sempre deserto, gatto a parte, e, benché mi aspettassi qualcosina di più, non sono rimasta delusa.

The Death of Stalin è un adattamento dell’omonimo graphic novel di Nury e Robins e nel 2017/18 ha vinto ed è stato candidato per numerosi premi, tra cui il Miglior Attore Non Protagonista (Russel Beale), il Miglior Casting e il Miglior Trucco e Acconciatura ai British Independent Film Awards. La trama è presto detta: l’1 marzo 1953 Iosif Stalin muore a seguito di un’emorragia cerebrale, ma la sua morte viene dichiarata soltanto due giorni dopo.

Cosa succede in quelle quarantott’ore? I membri della squadra ministeriale del defunto dittatore sovietico si scontrano per avere il potere, finché Malenkov emerge vincitore, ma naturalmente i sotterfugi e i trucchi per primeggiare non si fermano una volta incoronato il nuovo leader… anzi, tutto il contrario!

Il trailer del film prometteva tanta ironia, e indubbiamente così è. Gli scambi tra i personaggi, sia a livello di battute che di sguardi e mimica, sono curati nel dettaglio, con una ritmicità che sosterrebbe situazioni anche meno paradossali di quelle dipinte nel corso dello svolgimento della storia. Il sorriso si gela – com’è giusto – un po’ sulle bocche dello spettatore, se solo questi si ricorda che si sta parlando di eventi realmente accaduti, e nemmeno tanto tempo fa.

Le sfarzose ambientazioni sono di grande effetto e i reparti trucco e acconciature e costumi meritavano molti più premi di quelli che hanno effettivamente ottenuto, perché la somiglianza degli attori con i reali protagonisti delle vicende storiche è in molti casi a una virgola dall’essere completa. L’aspetto che fa fare un balzo di qualità al film di Iannucci, tuttavia, è il cast, che non solo è di tutto rispetto, ma è anche molto ben amalgamato.

Oltre all’ottimo Simon Russel-Beale (Lavrentij Berija, capo dei servizi segreti sovietici e vice di Malenkov per un breve periodo), è doveroso citare Jeffrey Tambor (Georgij Malenkov, che succede a Stalin dal 1953 al 1955), Steve Buscemi (Nikita Kruscev), Jason Isaacs (Georgij Zukov, allora maresciallo dell’URSS, comandante delel truppe sovietiche e noto e amatissimo eroe di guerra) e Rupert Friend (Vasilij Stalin).

Se, come ho già ampiamente detto, l’interpretazione e le dinamiche tra i membri del cast sono aspetti ottimi (vi ho già detto che il copione è favoloso? No?! Beh, lo è: un gioiellino!), devo registrare che il ritmo di narrazione subisce qualche battuta di arresto, soprattutto attorno alla metà del film, che probabilmente poteva durare qualcosa meno dei suoi 106 minuti. Questa piccola critica non getta però ombra su The Death of Stalin, che complessivamente è un gran bel film indipendente. Anzi, mi arrischio a dire che non sarebbe male farlo vedere nelle scuole, magari come complemento allo studio del periodo storico (che oramai viene preso in considerazione molto poco), perché Morto Stalin se ne fa un altro ha il pregio di intrattenere senza nascondere nulla del contesto e dell’epoca in cui la storia – che, sottolineo di nuovo, è essenzialmente vera – è inserita. 

 

Voi avete già visto The Death of Stalin? Che cosa ne pensate, vi è piaciuto? Chi è il vostro cospiratore preferito? Fatemelo sapere nei commenti, io intanto mi metto comoda. 😉

Il piano iniziale era, manco a dirlo, di vedere Tre Manifesti a Ebbing in Missouri prima dell’assegnazione degli Academy Awards dello scorso 4 marzo, ma come vi ho già detto il Fato si è pronunciato in modo contrario. Mi sono dunque approcciata alla pellicola diretta da Martin McDonagh un pomeriggio della settimana appena passata, mentre ero preda di uno di quei virus parainfluenzali che in questo periodo non potevo proprio farmi mancare, ben sapendo che alla Notte degli Oscar si era portata a casa ben due statuette.

Three Billboards Outside Ebbing, Missouri è uno spaccato di vita, più che na storia vera e propria. Conosciamo tutti i protagonisti nel mezzo di una vicenda che è cominciata molto prima dell’inizio del film e di cui non ci saranno mai chiari tutti gli aspetti. Così, incontriamo Mildred Hayes (Frances McDormand, Oscar come Miglior Attrice Protagonista) mentre guida lungo una strada provinciale, deserta, e nota tre cartelloni pubblicitari in disuso; capiamo subito che le è venuta in mente un’idea, ma non conosciamo il motivo per cui lei decide di affittarli per un anno intero. Le cose cominciano a farsi un po’ più chiare solo quando vediamo i suoi manifesti, su cui sfondo rosso campeggiano tre frasi nere: Stuprata mentre stava morendo – E ancora nessun arresto – Come mai sceriffo Willoughby?

I concittadini si Mildred non parteggiano per lei, ma bensì per il corpo di polizia, e più precisamente per lo sceriffo Willoughby, membro ben voluto della società e sofferente di un tumore al pancreas, che è direttamente chiamato in causa dai cartelloni. Particolarmente duro con lei è l’agente Jason Dixon, che ha problemi di alcolismo e gestione della rabbia e vede in Willoughby la figura paterna che gli è sempre mancata. Mildred, che è una madre divorziata con un figlio a carico e il doloroso ricordo della morte dell’altra figlia (aggredita, stuprata e uccisa, appunto, un anno prima dell’inizio del film), diventa oggetto di piccoli dispetti e sabotaggi da parte del corpo di polizia e degli altri cittadini, finché – con una lentezza che ben si accorda con la paciosità delle piccole cittadine americane – non si arriva al climax del film.

Da qui in poi non vi svelo null’altro, anche se potete ben immaginare che Mildred non reagisce in modo calmo e ragionato.

Il film non dura moltissimo – un’ora e tre quarti – ma confesso che mi è sembrato molto più lungo di quello che è, probabilmente a causa della lentezza della narrazione. Effettivamente il punto forte di Tre Manifesti a Ebbing in Missouri sta nella bravura degli attori; oltre ai due premiati è doverosa una menzione a Woody Harrelson, che interpreta lo sceriffo: un personaggio interessante a cui lui conferisce uno spessore particolare e una punta di ironia molto piacevole. Una trama come quella del film di McDonagh deve essere sostenuta da performance di un certo livello, altrimenti rischia di diventare noiosa e di non suscitare una partecipazione nello spettatore, che può rimanere impegolato nel ritmo narrativo.

Personalmente ho apprezzato anche che, contrariamente alla buona tradizione americana, non esista una parte che ha indiscutibilmente ragione contrapposta a una che ha torto. Mildred soffre per quello che è successo alla figlia, per i suoi sensi di colpa, e, sì, anche perché nessuno ha ancora trovato il colpevole, tuttavia è lei che decide di concentrarsi su quest’ultimo punto nel probabile tentativo di trovare un capro espiatorio per un evento di cui si sente colpevole. La polizia locale non è composta da agenti politically correct, anzi, ma non è possibile negare che Willoughby sembra una persona per bene, sia a livello privato che lavorativo, un uomo sensibile che non merita di essere attaccato così direttamente. Anche il lavoro d’indagine svolto non pare avere pecche: non può essere colpa dei poliziotti se sul corpo della ragazza non sono state trovate prove. Ecco, mi è piaciuto il realismo della sceneggiatura, anche se mi rendo conto che proprio questa caratteristica rende il film non completamente digeribile ai più.

Voi avete già guardato qualche pellicola candidata agli Oscar? Che cosa ne pensate?
E dei premiati? Ditemi, ditemi tutto! 😉